“Gira Trunca”- Crítica

Por Nadia Sotelo

Los sábados a las 22:30 hs, en el teatro El Extranjero (Valentín Gómez 3378 – CABA) se puede disfrutar de una comedia sumamente divertida, que se llama Gira Trunca. La dramaturgia pertenece a Sandra Franzen y la dirección a Sergio Grimblat. En el papel de Blanca, se encuentra Denise Cotton y en el de Estrella, Karen Koch; a la vez que los espectadores se podrán deleitar con música en vivo, de la mano de Claudio Riva.

Gira Trunca, comienza con el sonido de una guitarra en escena y danza con boleadoras, se habla acerca de una compañía de dos artistas que llevan 20 años juntas en los años 40´, pero que el desgaste laboral está haciendo que la amistad se convierta en algo lejano. Estrella, cuya interpretación la realiza Karen Koch, observa qué su amiga Blanca (Denise Cotton) no está dando su máximo potencial y comienza un desencuentro, inmenso de conflictos y problemáticas que, se desata con fuerza en un camarín de un pequeño pueblo en la provincia de Buenos Aires.

Uno de los principales problemas radica en Amador, quien abandonó a Estrella por una joven de 18 años, utilizando el mismo argumento que con su exnovia: alcanzar el estrellato. Blanca y Estrella, se encuentran con un futuro incierto y un mismo repertorio que repiten en todas sus presentaciones, desde hace dos décadas en el mundo del espectáculo. Gira Trunca no cuenta con muchos elementos, una mesa, dos sillas, una mesita de luz y un ropero con perchas, son suficientes para llenar de risas y mucho disfrute a los espectadores.

Los sonidos, la iluminación y los efectos, son increíbles. Tanto es así que, el método que se utiliza para simular una tormenta es extraordinario, hasta el punto de pensar que se está experimentando esa situación. Para continuar con el show y vivir de lo único que saben hacer, tendrán que someterse a trabajar con jóvenes novatos, algo que no les termina de cerrar.

La obra establece comedia, en cada una de las escenas. Una de las más graciosas es, cuando Blanca se enamora de una persona, cuya profesión no ve con buenos ojos una unión de esa naturaleza. Sin embargo, la relación que existe entre ambos es lo que permite que ella pueda continuar con el teatro. El final es muy bueno y brinda esperanza cuando existen inconvenientes, donde la amistad puede salvarlo todo y una pasión, como el teatro, es todo lo que se necesita en esta vida. Se refleja como el arte sobrevive a pesar de las generaciones y que a veces, es lo único que se necesita para seguir luchando en este mundo.

Funciones:

Sábados a las 22:30 hs

El Extranjero (Valentín Gómez 3378 – CABA)

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FICHA ARTÍSTICA:

Dramaturgia: Sandra Franzen

Dirección: Sergio Grimblat.

Elenco: Denise Cotton (Blanca) y Karen Koch (Estrella)

Músico en escena: Claudio Riva

Diseño de Escenografía: Mariela Solari

Diseño de Vestuario: Jorge López

Diseño de Iluminación: Julio A. López

Música Original: Claudio Riva

Dir. de Arte Multimedia: Mariela Solari

Multimedia: Gustavo Acevedo

Diseño Gráfico: Cocolino

Fotografía: Leandro Allochis

Peinados para fotos: Germán Abas

Realización de escenografía: Gabriela Kohatus

Realización de escultura: Andrés Fortunato

Realización de Vestuario: Manuela Cáceres y Sandra Ligabue

Prensa: TEHAGOLAPRENSA

Pelos: Ale Granado

Asesoramiento coreográfico: Diego Bross

Con el apoyo del INT, Proteatro y SAGAI.

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“El cubo de Nina”- Crítica

Por Nadia Sotelo

Los domingos a las 15 hs, El Método Kairos (El Salvador 4530, CABA) presenta una gran propuesta infantil para toda la familia, en especial para los más pequeños. Se trata de “El cubo de Nina”, cuya dramaturgia y dirección son de Guadalupe Lombardozzi, quién también actúa en escena y es una de las titiriteras, junto a Cecilia Martinese y Laura Cardoso.

Títeres, juguetes, un cubo que se arma y desarma forman parte de este bello espectáculo que tiene un gran mensaje, como lo es superar los miedos y disfrutar de la amistad. La obra comienza con una nena adentro de un cubo, la cual se llama Nina y que compartía con otra niña, pero un día se produjo un acontecimiento que lo cambió todo, obligando a Nina para que tome una decisión que sería trascendental para su vida. Decide meterse en el cubo y nunca más salir de él.

Mientras Nina experimenta la vida adentro del cubo y empieza a vivir en soledad, afuera de ese mundo que creó, existe otro que refleja una existencia completamente distinta. De repente, aparecen dos chicas que comienzan a bailar y con excelentes movimientos que reflejan una gran impronta clown, cosen vínculos entre ellas y un bichito rojo, será la clave para que se desarrolle una unión entre las dos que, puede llegar a alcanzar a una relación de amistad eterna.

En el Cubo de Nina, se podrá disfrutar de música, elasticidad, de juguetes, de sentimientos y de mensajes muy profundos, una gran obra para las infancias que busca hablar sobre temas que atañen a todos los seres humanos y que pueden ser dolorosos para los más pequeños. La soledad suele ser algo muy complejo, pero la manera que se encuentra reflejada en este espectáculo es muy buena.

Por otra parte, los vínculos, ese aspecto que a veces puede traer algunos conflictos, pero que nunca se trata de relaciones perfectas y sin problemas. Como se detalla en la obra, todo se construye, se cose y se descose. En un momento, Nina quiere salir de ese cubo, pero tiene miedo y es que estando adentro, se evita todos los problemas y está en ella aventurarse a lo desconocido.

El cubo de Nina es una obra muy linda, donde los niños no dejan de prestar atención a lo que sucede y en ocasiones, desean aconsejar a Nina. Se demuestra cómo los miedos se superan si se los enfrenta y que las amistades pueden aparecer en cualquier momento y que no hay que temerles, ya que los vínculos se rompen y se vuelven a unir o transformar.

Funciones:

Domingos a las 15 hs

El Método Kairos (El Salvador 4530, CABA)

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Ficha Técnico Artística:

Actrices – Titiriteras: Cecilia Martinese, Laura Cardoso, Guadalupe Lombardozzi

Diseño y realización de títeres y objetos: Laura Cardoso, Alejandra Farley, Katy Raggi

Coreografía: Cecilia Martinese

Diseño de escenografía: Guadalupe Lombardozzi, Cecilia Martinese

Realización de escenografía: Laura Cardoso, Duilio de la Pittima

Música original y Diseño Sonoro: Agustín Flores Muñoz, Camila Ibarra

Diseño de vestuario: Laura Cardoso, Manuela Grandal

Realización de vestuario: Laura Cardoso, Mariana Arzola

Diseño lumínico: Diego Becker

Coach vocal: Katy Raggi

Diseño de maquillaje y peinado: Luar Pepe

Asistente técnico: Francisco Sanchez Recondo

Diseño gráfico: Maria Sol Domecq

Fotografía: Hernán Paulos

Video: Matías Silva

Producción ejecutiva: Lucía Asurey

Dramaturgia y Dirección: Guadalupe Lombardozzi

Prensa: Octavia Comunicación

“Fermín”: Solo el amor va a salvarte- Crítica

Por Nadia Sotelo

Los viernes a las 21 hs, el Teatro El Cubo (Zelaya 3053, CABA) presenta “Fermín”: solo el amor va a salvarte. Se trata de un musical que cuenta con músicos, cantantes y bailarines de primer nivel, el texto es de Bruno Vixen, la dirección de Fredo Solari, los arreglos corales son de Daniel Landea, las coreografías de Verónica Pacenza y la dirección musical de Mauro Comisso. Los artistas que componen el elenco son Cristian Zeballos, Marianela Baratucci, Lourdes Lezcano, Fernanda Bula, Luciana Castronuovo, Fernando Palladino, Juliana Diaz, Federico de Elias Bevacqua, Luis Machuca y Albano Jofre.

Además, una de las cosas que hacen de este musical un espectáculo deslumbrante es, sin lugar a dudas, la banda que se encuentra tocando en vivo. Los encargados de brindar sonido y resaltar las voces que se presentan en escena, son Mauro Comisso, Lucas Straziscar, Ariel Goitía, Florencia Bacigaluppo, Nahuel Loiza, Fiorella Mutti y Matilde Sajtroch. El musical cuenta la historia de Fermín que, a través de un descubrimiento de su vida comienza a replantearse toda su existencia y en especial, una de las más importantes para cualquier persona: el amor.

Todos estos acontecimientos se van descubriendo a través de sus escritos en un diario íntimo, donde una capitana que es Afrodita, le irá pidiendo a Fermín que le exprese sus sentimientos en cada uno de los momentos de su vida. Que no se mienta y afronte lo que le va ocurriendo, uno de los más importantes tiene que ver con encontrar el verdadero amor y donde se pondrá en juego cuál es su verdadera sexualidad o por lo menos, descubrir que no importa de qué sexo sea la persona que ama, sino que pueda abrir su corazón y expresar su verdadero sentir.

En el musical hay tiempo para todo, el espectador se encontrará con mucha comedia, música y excelentes interpretaciones que realizan los artistas. La iluminación es perfecta y en su texto, se deja ver una gran moraleja para todos aquellos que se encuentran en una búsqueda interna y luchando contra lo que sienten: la valentía siempre será mejor que el miedo, aceptarse es comprenderse a uno mismo y el espectáculo insta a decirlo.

Fermín es un musical maravilloso, ideal para los jóvenes, adolescentes o para quienes no se sienten felices con los que le sucede en sus vidas. El amor, el sentimiento que se expresa con fuerza en escena y que da vida al sinfín de los seres humanos, muchas veces se encuentra cuándo menos se espera y la imposibilidad de descifrarse puede ser respondido con éste. A eso apunta el espectáculo, a experimentar los distintos tipos de amores que se experimentan en la vida, a disfrutarlos, a aceptarlos y a comprenderlos, ya que eso puede ser la salvación a una vida de sufrimientos o vacíos existenciales. La recomiendo!!!

Funciones:

Viernes a las 21:00 hs

Teatro El Cubo (Zelaya 3053, CABA).

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FICHA ARTÍSTICA:

Elenco: Cristian Zeballos, Marianela Baratucci, Lourdes Lezcano, Fernanda Bula, Luciana Castronuovo, Fernando Palladino, Juliana Diaz, Federico de Elias Bevacqua, Luis Machuca, Albano Jofre.

Banda: Mauro Comisso, Lucas Straziscar, Ariel Goitía, Florencia Bacigaluppo, Nahuel Loiza, Fiorella Mutti, Matilde Sajtroch.

Texto Original: Bruno Vixen

Música Original: Albano Jofre

Dirección General: Fredo Solari

Arreglos y dirección coral: Daniel Landea

Dirección Musical: Mauro Comisso

Coreografías: Verónica Pacenza

Producción Ejecutiva: Norma Valenzuela

Producción General: Pura Acción Producciones

Realización de escenografía: Ana Latini y Maria Martinez

Diseño de iluminación: Maximiliano Rubio

Vestuario: Lourdes Lezcano

Diseño de Iluminación: Fredo Solari

Asistencia de Dirección: Olivia Casado

Prensa: Kevin Melgar (0KM Prensa)

“Winnie y Richard”- Crítica

Por Nadia Sotelo

Los domingos a las 17 hs, el Paraje Artesón (Palestina 919 – CABA) se tiñe de comedia con la desopilante obra “Winnie y Richard”, creada por Guillermo Vidal. La dirección pertenece a Celina González del Solar y como asistente de dirección se encuentra Pía González del Solar. Los actores que lo brindan todo en escena son María Eugenia «Uki» Capellari y Gabriel Nicola.

Winnie y Richard, relata la historia de una pareja que se encuentra ensayando la popular obra de William Shakespeare, llamada Romeo y Julieta. Richard (Gabriel Nicola) debe interpretar a Julieta en una representación, pero le cuesta mucho; ya que no lo hace desde hace tiempo. Winnie (Uki» Capellari) su pareja y vestuarista lo ayuda a preparar el personaje, aunque su deseo es interpretarlo en escena, pero se encuentra imposibilitada de hacerlo porque en esa época las mujeres estaban prohibidas.

Richard no logra concentrarse, se olvida de la letra y observa que Winnie lo hace de maravilla. Si bien, la comedia se vibra en cada una de las escenas que se visualizan, como en las que Richard intenta convertirse en la mejor Julieta de todas, se presenta un marcado machismo que era propio de la época, donde las mujeres no podían ser actrices y como si fuera poco, debían soportar cosas que no deseaban por el único motivo de haber nacido bajo el denominado sexo débil. Winnie menciona lo que le aqueja de ser mujer y Richard, no puede creer que nunca se haya dado cuenta del malestar de su prometida.

Los actores son extraordinarios, logran con sus movimientos diálogos únicos y risas de parte de los espectadores que, no dejan de hacerse sentir. Richard no quiere actuar, piensa que las mujeres son las indicadas para expresar sus sentires y que desarrollan algo impensado para los hombres, las mujeres hablan con el cuerpo y eso no pueden interpretar aquellos que hacen de Julieta.

“Winnie y Richard” es una fantástica obra, con comediantes de primer nivel, risas por doquier y también, se encuentra espacio para reflexionar sobre un tema muy importante: la prohibición de las mujeres en escena. En aquellas épocas, no solo estaban prohibidas para actuar, sino para un sinfín de cosas que, gracias a los distintos derechos adquiridos se ha intentado lograr una igualdad entre géneros que, todavía no logra conseguirse.

El espectáculo es grandioso, pero no solo se queda en una comedia muy bien interpretada, sino en demostrar que el mundo está cambiando, pero que aun, la igualdad es un objetivo que no se ha cumplido en su totalidad. Sin embargo, “Winnie y Richard” plantean un horizonte por el cuál empezar, el recuerdo y la memoria de aquellos tiempos que no deben regresar jamás y la posibilidad de que la persona que desee actuar pueda hacerlo sin impedimentos, mostrando su arte al mundo.

Funciones:

Domingos a las 17 hs

Paraje Artesón (Palestina 919 – CABA)

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Ficha Técnico Artística:

Dramaturgia: Guillermo Vidal

Dirección: Celina González del Solar

Elenco: María Eugenia «Uki» Capellari y Gabriel Nicola

Diseño de escenografía, vestuario e iluminación: Jorgelina Herrero Pons

Asistente de dirección: Pía González del Solar

Diseño gráfico: Guillermo Vidal

Prensa: TEHAGOLAPRENSA

“El Burgués Gentilhombre”- Crítica

Por Nadia Sotelo

En el Teatro El Anfitrión (Venezuela 3340, CABA) se presenta todos los sábados a las 21 hs, una gran adaptación del clásico de Moliere “El Burgués Gentilhombre. La versión con la que se encontrará el espectador corresponde a Pablo González Casella, quien también se desarrolla como el director y encargado del espacio escénico, mientras que en la producción ejecutiva está Guido Inaui Vega y los actores que hacen su magia para que esta pieza artística deslumbre son: Clara González Casella, Trinidad Giannone, Gianfranco Dacci, Zoe Ferrari, Mar Bouvet, Franco Giansetto, Ornella Salerno y Camila Elizabeth Sarmiento, que pertenecen a la compañía Teatro Bertolt.

El Burgués Gentilhombre cuenta la historia de un hombre que hará hasta lo imposible por ingresar a la Corte y convertirse en un noble. Sin embargo, el aprendizaje que necesita para transformarse en su máximo anhelo no será sencillo, ya que destinará mucho dinero a instruirse con personas que lo estafarán y provocarán mucha gracia para los espectadores, porque se vivirán las más disparatadas situaciones que convertirán a este musical en una gran comedia.

En escena, se puede observar un maniquí y a ocho personas que lo brindan todo, para que los minutos en que transcurre la historia, se vivan con disfrute y mucha diversión para el público que se encuentra presente. La afinación de los artistas, el cambio de vestuario constante y de personajes, sumado al baile son perfectos. Entre las cosas que este Burgués debe aprender, se encuentran clases de teatro, ballet, ciencias de las armas y las artes, de una manera total. A la vez, surge una pregunta que llega para descubrir cuál ciencia es más importante y las que son menospreciadas.

También, la filosofía se hace presente en las instrucciones, del mismo modo que, la perfecta escritura que se desarrolla con un aprendizaje impecable de la ortografía. No obstante, ascender a una escala superior no es lo que desea su hija Lucila que se encuentra enamorada de Cleonte, algo que él no puede aceptar. Sin embargo, una nueva farsa puede cambiar su historia y también la de su primogénita.

El final es muy divertido e impredecible, donde se evidencia como algunos aspectos del siglo XVII pueden observarse hoy en día, aunque hayan pasado los años. El Burgués Gentilhombre, es una obra para entretenerse, disfrutar de comedia y música al mismo tiempo, mientras se observa una historia de trasfondo que hoy en día, está presente como lo es ocultar los orígenes para alcanzar estratos sociales altos, pero la mentira tarde o temprano sale a la luz. La recomiendo!!!

Funciones:

Sábados a las 21:00 hs

Anfitrión Teatro (Venezuela 3340, CABA)

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FICHA ARTÍSTICA:

Dramaturgia: Moliere

Versión y adaptación: Pablo González Casella

Vestuario: Compañía Teatro Bertolt

Música original: Pablo González Casella

Fotografía: Alan Bolatti

Producción ejecutiva: Guido Inaui Vega

Dirección y espacio escénico: Pablo González Casella

Actúan: Clara González Casella, Trinidad Giannone, Gianfranco Dacci, Zoe Ferrari, Mar Bouvet, Franco Giansetto, Ornella Salerno, Camila Elizabeth Sarmiento

¿Quién es Dostoievski?- Crítica

Por Nadia Sotelo

Todos los viernes a las 22 hs, se puede disfrutar de una tragicomedia impecable en Area623(Pasco 623 – CABA). Se trata de la obra Quién es Dostoievski, cuya autoría es de Rocío Carrillo y la dirección de Leo Bartolotta, como asistente de dirección está Flor Rubinsky, y la encargada de iluminación es Soledad Ianni. Los actores que hacen de esta propuesta una pieza artística para reír sin parar son, Lili Bucay; Rocío Carrillo, Juan Cereghini y Sebastián Femenía.

Quién es Dostoievski cuenta la historia de dos hermanos que se encuentran despidiendo a su padre Vicente Alonso en un velorio, los cuáles son interpretados por Rocío Carrillo y Sebastián Femenía, mientras que la madre de ellos Mabel (Lili Bucay) no está atravesando el mejor momento de su vida, piensa que no conoció bien a su esposo y que nunca se había dado cuenta de que éste, era peronista. Sin embargo, entre multiplicidades de acontecimientos que se desarrollan en esa despedida que no recibió a otros invitados, se suma uno que cambiará el día: los trabajadores han tomado la sala funeraria, en reclamo de mejoras salariales.

La obra presenta de una manera divertida y sumamente cómica, en donde abundan los tintes de humor negro, el entramado político que se teje en la sociedad. La explotación laboral, los reclamos para hacer cumplir los derechos y los grupos que tildan de “vagos”, a quienes toman fábricas, realizan piquetes o impiden la libre circulación de los vehículos en las calles. Mariano (Juan Cereghini) es el que está llevando a cabo la toma de la sala funeraria, con ideales de izquierda y el sueño de un mundo mejor, a través de la lectura del manifiesto comunista.

Mabel comienza a escuchar con detenimiento a Mariano y logran entablar una amistad y la puesta en común de un mismo pensamiento. La vida no ha sido fácil para Mabel y ahora que su esposo falleció desea cambiar de vida y encuentra que lo que Mariano discute es interesante y desea ayudar con la causa; aunque sus hijos piensan que el militante se está aprovechando de la situación vulnerable de la madre, con el único objetivo de cumplir con sus propios intereses.

Quién es Dostoievski es un espectáculo maravilloso, los actores son increíbles y la utilización de los chistes en el momento justo, dejan al espectador riendo sin cesar. Detrás de esta comedia, se interroga sobre la sociedad, sus grupos, la política y como ésta, puede ayudar a un cambio o provocar situaciones catastróficas. El final es completamente inesperado y se logra responder a esa inquietud principal que siempre quiso entender Mabel, ¿Quién es Dostoievski? El espectador no solo se divertirá con las grandes actuaciones, las circunstancias y lo que les hace sentir esta pieza artística, sino sobre su relación con los grupos sociales, la política y el por qué es importante debatir sobre ellos. La recomiendo!!!

Funciones:

Viernes a las 22:00 hs

Area623(Pasco 623 – CABA)

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FICHA ARTÍSTICA:

Dramaturgia: Rocío Carrillo

Actúan: Lili Bucay; Rocío Carrillo; Juan Cereghini ; Sebastián Femenía

Escenografía y vestuario: Alejandro Mateo

Iluminación: Soledad Ianni

Fotos y Arte: Diego Cabales

Prensa: TEHAGOLAPRENSA

Redes: Pablito Lancone

Producción ejecutiva: Cristina Sisca

Asistencia de Dirección: Flor Rubinsky

Dirección: Leo Bartolotta

“El Bosque”- Crítica

Por Nadia Sotelo

Los sábados a las 20:30 hs, La fábrica-Espacio de Arte (Acevedo 768, CABA) presenta “El bosque: Instalación performática”. La idea corresponde a la compañía teatral Arte y Convicción, a su creador Gabriel Castro y a los artistas que están en escena, como lo son Camila Alonso, Fernanda Lucía Eugui, Bianca Lizzano, Lucía Specterman, Karla Sufi y Ludmila Zalaza, quiénes realizan un trabajo en donde se mezcla lo actoral, audiovisual, sonoro y lo corporal.

El bosque es un espectáculo que discute los siete pecados capitales y reversiona el cuadro “El jardín de Las Delicias”, cuya autoría es de Hieronymus Bosch “El Bosco”. Aquí el espectador se encontrará con seis obras que funcionan a la vez, cada una tiene una duración de 10 minutos y el público podrá decidir por donde comenzar, en esta ocasión se puede “elegir tu propia aventura”. La estructura de este tipo de performance, no es lineal y se puede armar y desarmar al gusto del visitante.

Quien tome la decisión de ver “El bosque”, no se encontrará con pasividad, sino con acción. Tendrá en su poder la elección en sus manos, puede escoger por cuál cuadro empezar o sino le agrada lo que observa, moverse para el siguiente y conocer cuáles son las otras opciones que se ofrecen. Los espectadores se sentirán como en un museo, donde no están obligados a ver todo lo que hay, sino a vivenciar aquello que les llama la atención y, además, si uno de esos cuadros le gustó mucho puede volver a verlo, a escucharlo o a sentirlo.

Ver “El Bosque” es introducirse en un momento de expresividad pura, de artistas que dejan de habitar sus cuerpos naturales y se convierten en parte de la escena, como una foto estanca en la mesa de luz o un celular que reproduce un video, que vuelve a comenzar al principio cada 10 minutos. Los pecados capitales siempre se encuentran en discusión, se los interpreta, se los interroga y en este caso, se los materializa en algo que pueda lograr la interpelación o entendimiento, de aquel que se encuentra con la mirada atenta, mientras se lo observa y disfruta.

Los seis cuadros que se ofrecen son el consumo excesivo, la contaminación ambiental, la incomunicación, opresión, violencia y tráfico de drogas. Estos aspectos se encuentran presentes en toda la sociedad y su discusión ha dejado de ser una temática para tratar, pero muchos sufren este tipo de acontecimientos, los cuales pueden ser muy destructivos y con finales, a veces trágicos. En El bosque se puede experimentar todo, vivir como se lo hace en una jungla que se encuentra repleta de animales, en este caso, los seres humanos viven un sinfín de experiencias que temen aceptar o nunca se las ponen a analizar realmente.

En consumo excesivo, se puede interpretar cómo la sociedad se encargó de formatear a cada uno de los habitantes, para que tengan un único objetivo en la vida: consumir. No importa qué, lo que importa es comprar y llenarse de pensamientos impartidos por los otros, donde nunca es suficiente y no tenerlo todo enferma. Contaminación ambiental es lo que sucede todos los días, mientras la tierra grita “ayuda”, los humanos se encargan de devorarla, hasta el punto de destruirla, pero todavía para algunos no es notorio.

Incomunicación, es la palabra perfecta para definir al siglo XXI. Las conexiones móviles no paran de crecer, mientras la soledad se instala, lo corporal se vuelve invisible y los malos entendidos son cuenta corriente. Lo que domina es la incomunicación, la imposibilidad de empatizar con otro de verdad, sin ser mediados por las tecnologías. Opresión es lo que no falta y en el bosque se visualiza muy bien, el maltrato en el trabajo y los trabajadores sin otras opciones para vivir, deben aguantarse a los jefes abusivos con el único objetivo de sobrevivir.

La violencia es lo invisibilizado en un sinfín de familias, lo que se experimenta en muchas parejas y lo que se vive a diario en la sociedad. En el lugar donde queda asentado es por aquellos que ejercen poder, como los políticos. La obra lo expresa muy bien y el tráfico de drogas es el último cuadro, un mal que aqueja y que todos los días crece un poco más.

El bosque es un gran espectáculo para ver, que con tan solo una hora de duración invita a una reflexión profunda por parte del público. Si bien, los artistas buscan demostrar el poder oculto que se experimenta en cada una de estas performances, aquí el poder se encuentra en el espectador, donde él podrá elegir qué, es lo que desea ver y en qué enfocarse, repitiendo el cuadro si no lo entendió o quiere volver a sentirlo, una experiencia que no es habitual en otras obras.

Funciones:

Sábados a las 20:30 hs

La fábrica-Espacio de Arte (Acevedo 768, CABA)

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FICHA TÉCNICO ARTÍSTICA

Idea: Gabi Castro

Intérpretes: Camila Alonso, Fernanda Lucía Eugui, Bianca Lizzano, Lucía Specterman, Karla Sufi, Ludmila Zalazar

Actuación en video: Claudio Algarate, Claudio Argarate, Jacuario, Gabi Castro, Pía Fonseca, Pía Fonseca, Francisco Quesada, Carla Reni

Vestuario: Andrea Mineko

Diseño de escenografía: Cintia Giacumbo

Diseño de luces: Juan Francisco Canella, Ana Echevarre

Diseño De Sonido: Demián Gonzales Bernedo, Gustavo Palma

Realización Audiovisual: Francisco Quesada

Fotografía: Sofia Ramirez

Asistencia de escenografía: Nadia Fernanda Horta Giraldo, Celina Laspiur Quintieri, Candela Pauwels, Rosaura Josefina Zapata

Asistencia de iluminación: Ana Echevarre

Prensa: Mariano Altamiranda

Community Manager: Jose Altamiranda, Carla Nucin

Producción: Jose Altamiranda, Mariano Altamiranda, Ana Echevarre, Joaquín Ferrazzi, Sofia Zorrilla

Guión de video: Gabi Castro

Dirección de arte: Catalina Escardó

Dirección de actores: Gabi Castro, Carla Nucin

Dirección general: Gabi Castro

“Dido y Eneas”- Crítica

Por Nadia Sotelo

Los sábados a las 21 hs, el Teatro Empire (Av. Hipólito Yrigoyen 1934, CABA) presenta una ópera imperdible, de tan solo una hora de duración y que puede disfrutar toda la familia. Se trata de “Dido y Eneas”, cuya creación pertenece a Henry Purcell y data del 1689, pero las grandes interpretaciones que se desarrollan en esta adaptación, logran que el pasado se vuelva presente en el escenario. Todo esto sucede, de la mano de la dirección musical de Silvana D’Onofrio y del regie, Antonio Leiva.

La ópera cuenta la historia de Dido, la reina de Catargo que debe luchar contra todo y que no encuentra paz en ningún punto de su existencia, debido a las interminables persecuciones de los guerreros. Sin embargo, allí no terminan los problemas, porque su corazón se encuentra en riesgo al amar a Eneas, que debe refundar Troya. Elisa Calvo, es la encargada de interpretar este gran personaje que, logra de maravilla con su magnífica voz y su porte de mujer imponente. En el papel de Eneas, se encuentran Germán Polón y Matías Klemm, siendo una de las interpretaciones más importantes de la ópera y la que de algún modo, hace que Dido se desestabilice solamente con su amor.

La iluminación del espectáculo es muy buena, al igual que el sonido que se muestra en vivo de los diferentes instrumentos, el coro es impecable y la armonía que se consigue es envidiable, el vestuario que utilizan los artistas en escena es impactante y convierte a las bellas voces y su vestimenta, en un todo perfecto. Dido indica en todo momento que hay un tormento que la acosa y que no puede revelar, algo que el público experimenta desde que se abre el telón y hasta que se cierra.

Uno de los momentos que más se destaca en la ópera es, sin lugar a dudas, el cuadro de las brujas. En este espacio, se busca reflejar la maldad que habita en los seres humanos y que se encuentra representado por personajes ficticios, como lo son las brujas, seres malignos a los que no les interesa nada y desean separar a la fuerza a Dido, de su gran amor Eneas. El presente acto, lo tiene absolutamente todo: música, grandes voces, humo y, por si fuera poco, diversidad, gracias a un cuadro de temática queer.

Dido y Eneas, es una gran ópera para ir a ver y una oportunidad para aquellos que nunca se hayan acercado a este tipo de espectáculo. Los instrumentos suenan perfectos, las voces son espectaculares y el final de la ópera es completamente sorprendente. No se la pierdan, la recomiendo!!!

Funciones:

Sábados a las 21:00 hs

Teatro Empire (Av. Hipólito Yrigoyen 1934, CABA)

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FICHA TÉCNICA

Autor: Henry Purcell

Elenco:

Dido: Elisa Calvo

Eneas: Germán Polón – Matías Klemm

Belinda: Susana Palomeque – Martina Gioiosa

Segunda dama: Lena Solesky – Lorena Venegas

Sórceres:  Claudio Rotella – Mónica Nogales

Bruja 1: Martina Gioiosa- Carolina Bejar

Bruja 2: Mariángeles Notta – Patricia Salamueva – Patricia López

Marinero: Matías Klemm – Pablo Cena – David Reinhardt

Actorers invitados: Hermes Molaro – Rocío Moragues

Orquesta académica de Música en escena y Teatro Empire “Carlos Mathus”

Violines 1eros:

Brian Andrés Pombinho Soares, Tatiana Videla, Noelia Fidalgo

Violines 2dos:

Tomás Sosa, Anahi Gomez, Nahir Arreygada

Violas:

Milagros Nazar, Mayra Yamil, Yamila Conte, Juliana L. Figueredo J.

Violonchelos:

Paloma Serrano, Tobias Rossi Sanz, Mauro verde, Lukas Quintero

Contrabajo:

Gabriel Ibañez

Coro de la compañía “Música en escena”

Sopranos:

Analía Cobas, Silvia González, Cecilia Mailen Otero, Marlene Vega, Lena Solesky, Paula Larriqueta, Carolina Béjar, Martina Gioiosa.

Mezzos:

Florencia Titaro, Romina Maggi, Patricia Lopez, Mariángeles Notta, Patricia Salanueva

Tenores:

David Reinhardt, Claudio Pérez, Patricio Casco, Cristian Frenczel, Pablo Cena

Bajos:

Agustín Adúriz-Bravo De dios Gabriel, Alberto García Fernández, Camilo Manuel Brambilla, Juan Jose Ghioni

Dirección musical: Silvana D’Onofrio

Regie: Antonio Leiva

“Off Man”: Los últimos días de Philip Seymour Hoffman- Crítica

Por Nadia Sotelo

Itaca Complejo Teatral (Humahuaca 4027, CABA) presenta todos los sábados a las 22:30 hs, una obra muy interesante. Se trata de “Off Man”: Los últimos días de Philip Seymour Hoffman, cuyas actuaciones las realizan Yoska Lázaro como protagonista de la vida de este gran artista y en el papel de asistente se encuentra Fernando Domínguez, la voz en off es de Lezu Merino, mientras que la puesta en escena y dirección corresponden a Fernando García Valle.

Off Man cuenta una parte de la vida de Philip Seymour Hoffman, los cuales no se caracterizan por ser los más felices, sino los últimos y los más dolorosos. Yoska Lázaro se mete en el papel de Philip y realiza una gran interpretación de éste, mostrando sus adicciones que lo llevaron a un desenlace trágico y a una vivencia que lo obligó a estar conectado a estas sustancias prohibidas que no solucionan nada, sino que sumergen a un individuo sin salida aparente. La obra se destaca por hablar de estos temas sin tapujos y por demostrar la vivencia casi exacta de Hoffman.

Fernando Domínguez, interpreta al asistente de Philip y si bien no está mucho tiempo en escena, sus apariciones son impecables y perfectas para lograr el ambiente que el espectáculo busca para los espectadores. Representar la vida de un adicto es muy complicado, pero los actores lo realizan de un muy buen modo, sin caer en golpes bajos y permitiendo una gran interpretación por parte del público que, en ocasiones, puede convertirse en interpelación. Una de las cosas que hacen feliz a Philip Seymour Hoffman son sus tres hijos, por lo que en ese momento es el único en el que su adicción no logra ocupar su tiempo.

Esta obra refleja que la fama no siempre trae las mejores soluciones para la vida y que ganar un Óscar, no lo es todo. Así lo evidencian en esta obra que representa la vida de Philip Seymour Hoffman y que en muchos casos se ha confirmado. Suicidios, muertes, problemas psicológicos, drogas, alcoholismo y tabaquismo, están presente en gran parte de la población y los actores, directores y autores no están exentos de estas problemáticas tan severas. La felicidad a veces no se consigue con la fama, ni con el dinero.

Off Man no muestra a un grande, sino a un hombre tirado en un sillón, atado al constante intercambio de máscaras que debe colocarse para seguir viviendo, pero que no lo representan como en realidad es. Sin embargo, siempre quiso deshacerse de las adicciones y reconoció su problema, desde el principio y deseó superarlo para disfrutar de su gran trabajo en la pantalla grande. Habla de las entrevistas y sus mentiras, de que nunca se habla del trabajo que realiza, con el objetivo de sorprender a los espectadores.

Off Man es una excelente obra, aunque se remarcan los aspectos más tristes y crudos de una vida que se fue por abuso de ciertas sustancias, depresión y la enfermedad de la adicción, tiene espacios muy graciosos y que invitan al público a reír. La recomiendo!!!

Funciones:

Sábados a las 22:30 hs

Itaca Complejo Teatral (Humahuaca 4027, CABA)

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Ficha Técnico Artística:

Dramaturgia: Iván Cerdán Bermúdez.

Dirección y Puesta en escena: Fernando García Valle.

Actúan: Yoska Lázaro y Fernando Domínguez

Voz en off: Lezu Merino.

Diseño de Arte y caracterización: Lula Rojo.

Dirección actoral y supervisión de puesta en Lima: David Merino.

Diseño gráfico: Juan Pablo Rodríguez.

Diseño de luces: Paula Fraga.

Realización de máscara: Flavia Juárez.

Diseño musical: Tian Brass y Fernando García Valle

Realización de vestuario: Emilia Bacigaluppi.

Prensa: Paula Simkin

Fotografía: Nacho Lunadei y Melissa Merino

Realización y edición de teaser: Andric Vásquez.

Producción general: Teatro A Tres Velas y LPM Producciones

Asistente de producción: Guido Inaui Vega

Arreglo musical: Adrián Capuccio.

Coreografía: Noelia Vera

“Enrique V”- Crítica

Por Nadia Sotelo

Si existe un autor que siempre se encuentra presente en el mundo del teatro, aunque su fallecimiento haya ocurrido en 1616 es William Shakespeare. Su obra Enrique V escrita en el 1598 vuelve a revivir los sábados a las 20:30 hs, en el Teatro El Convento (Reconquista 269, CABA) con la adaptación, puesta en escena y dirección de Martín Barreiro y un elenco de lujo conformado por Ariel Puente, Graciela Rovero, Fabio Verón, Mimi Ferraro, Sergio Boada, Alejandro Benavides, Facundo Díaz, Sofía Ibarra, Marcela Jorge y Matea Molinatto. La música es de Esteban Arce, la escenografía, vestuario y diseño de luces de MB-MB y el asesor de combate medieval es Ezequiel Pellegrini.

Enrique V, da comienzo a la función antes de que se ingrese a la sala teatral, porque se asiste a un gran despliegue de movimientos antes de que los espectadores se sienten en las butacas. Luego, en la sala teatral se puede disfrutar de la historia propiamente dicha en donde se puede disfrutar de 10 actores en escena que bailan, cantan, actúan y se encuentran en constante acción para llenar de intriga, angustia y sorpresas a quienes asisten a ver este clásico que se vuelve presente en el momento de la representación.

En esta obra dramática, se cuenta la historia de Enrique V y su ascenso al trono, pero nada será fácil y deberá demostrar el poder que tiene para hacerle frente a todo lo que le impida proseguir con su mandato. Los espectadores ingresarán a un mundo de nerviosismo, en donde la guerra guiará el desarrollo de los acontecimientos y la caída de un hombre provocará una rebelión que implicará una sentencia a muerte por traición, la música es impecable y la iluminación permite vivir un gran show impactante.

Los artistas son magníficos, sus interpretaciones son muy buenas, entre las que deben colocarse a grandes alturas y no se observa ningún tipo de titubeo, se aprecia un gran trabajo en equipo, lo que permite crear un espectáculo de gran envergadura. La tensión, la lucha y los suspiros, se hacen presenten en cada una de las escenas y se refleja una deslumbrante puesta que propone una mirada atenta por parte del espectador, en donde no se sabe que ocurrirá en el minuto siguiente.

Enrique V es una buena obra, como cualquier escrito de William Shakespeare, reviste complejidad y puede ser difícil para algunas personas. Sin embargo, los intérpretes lo brindan todo y realizan un despliegue que consigue que la obra se siga luciendo, a pesar de los muchos años que lo separan de su creación. Ver clásicos es una oportunidad única, si disfrutas de este tipo de temáticas, te invito a ver esta gran performance.

Funciones:

Sábados a las 20:30 hs

Teatro El Convento (Reconquista 269, CABA)

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FICHA TÉCNICO ARTÍSTICA

Autoría: William Shakespeare

Actúan: Ariel Puente, Graciela Rovero, Fabio Verón, Mimi Ferraro, Sergio Boada, Alejandro Benavides, Facundo Díaz, Sofía Ibarra, Marcela Jorge y Matea Molinatto. Música Original: Esteban Arce

Producción: Teatro El Convento

Escenografía, vestuario y diseño de luces: MB-MB

Asesor Combate Medieval: Ezequiel Pellegrini

Fotografía: Fernando Ibarra

Prensa: Kevin Melgar

Adaptación, puesta en escena y dirección general: Martin Barreiro