“Caos Hospitalario”- Crítica

Por Nadia Sotelo

Los viernes a las 21:15, en el Teatro Multiescena (Av. Corrientes 1764, CABA) se presenta una comedia capaz de sacar risas a todos los espectadores. Se trata de Caos Hospitalario, cuya creación y dirección pertenecen a Pablo Ocanto, las coreografías son de Anto Scarvaci y Fredy Peña y el sonido, se encuentra a cargo de Leonardo Ramírez. Con más de 20 actores en escena, este elenco sabe moverse, actuar e interpretar, logra que cada uno de los que están sentados en su butaca, aplaudan, rían, bailen o sientan la necesidad de cantar. Los que permiten que esta magia artística sea posible son Paola Dipert, Rocío Jara, Margott Francine, Marco Dolce, Yorgely Rodriguez, Paz Velázquez, Iara Derfler, Gustavo Torrealba, Cami Lari, Alejo Ron, Albani Chacin, Anto Scarvaci, Guillermo Guilarte, Nazareno Ftune, Santiago Vazquez, Melina Armandi, Ariel Delgado, Khalil Mostafas, Lola Garboo, Candela Rodríguez y Evelyn Alfonso.

En Caos Hospitalario, las historias más disparatadas se dan cita para hacerse presente en un hospital, un escenario al que nunca se pensaría que podría ser posible que sucedieran tantas aventuras. Ese es el condimento que consigue sorprender al espectador, con cada aparición de los artistas en escena. Por un lado, se encuentra una doctora que está en guardia desde hace semanas y no se siente del todo bien, también una embarazada que próximamente dará a luz, enfermeros desconcentrados, los supervisores que vienen a inspeccionar el lugar e incluso, piqueteros que se confundieron de sitio para reclamar y fueron a parar al hospital.

Pero la visita más inesperada es la de dos ladrones que acaban de realizar un robo grande y como resultado, uno de ellos ha salido herido y debe curarse. Sin embargo, cuando desean escapar de allí, ya no podrán hacerlo y se encontrarán con un sinfín de situaciones que le son inesperadas, las cuales son muy cómicas y hacen que el espectador estalle de risa. Cada uno de los actores que intervienen en Caos Hospitalario se destaca, no hay desniveles de actuación al ser tantos en escena, se asiste a un gran balanceo actoral. Esto permite que se produzca un lucimiento individual de todos los artistas.

Un espectáculo que no se parece a ninguno, donde se hace alusión a distintos momentos de la televisión y el cine, tales como el cine mudo, palabras utilizadas en las series de Yo soy Betty la fea o El Chavo del 8, hasta la coreografía de Beyoncé que estaba presente en ¿Dónde están las rubias? En Caos Hospitalario, se podrá disfrutar de la mezcla de todos los géneros del teatro: terror, comedia, drama, improvisación, tragicomedia.

El final es completamente inesperado y muy bueno, es la mejor forma de comenzar el fin de semana. Además, demuestra algo que puede suceder en la realidad, nunca se sabe dónde pueden ocurrir las historias más delirantes, irreales o sorpresivas. En un hospital, suceden muchas cosas y algunas de las mencionadas, podrían ser posibles. La recomiendo ampliamente!

Funciones:

Viernes a las 21.15 hs

Teatro Multiescena (Av. Corrientes 1764)

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FICHA TÉCNICA

Creación y Dirección General: Pablo Ocanto

Coord. De Producción: Leonardo Ramírez

Asistentes Técnicos: Fredy Peña, Luca Scuglia

Vestuarios: Rodo Barberis

Fotografías y Audiovisuales: Al Ojo porciento – Venus Bastidas

Técnico de Sonido: Leonardo Ramírez

Coreografías: Anto Scarvaci, Fredy Peña

Prensa: Kevin Melgar (0KM Prensa)

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“OCM – Otra cosa mariposa” –Crítica

Por Nadia Sotelo

El 17 de diciembre, se vivió la última función de “OCM – Otra cosa mariposa”. Una obra de danza contemporánea increíble que, contó con las Coreografías de Luz Comissoli y la asistencia coreográfica de Magalí Zato. Además, de las grandes interpretaciones de Antonela Simone, Daniel Sciarrone, Francisca Hunkeler, Francisca Zabala, Juana Montoni, Lucas Coliluan, Luz Lingeri y Sofía Gómez, el diseño de Luces lo realizó Fito Gomez y como sonidista estuvo Florencia Bordolini. El espectáculo se pudo disfrutar a las 21 hs en el Galpón de Guevara (Guevara 326, CABA) y se exhibió en dos únicas fechas.

Los sábados de diciembre tuvieron la oportunidad de demostrar danza en escena, “OCM – Otra cosa mariposa” fue la obra encargada de traer la esencia de la danza contemporánea, al teatro. Con una música tranquila y piano de fondo, se dio comienzo a una función en la que participarían ocho artistas en escena que dieron mucho para ver y disfrutar desde la butaca. En primer lugar, ocho cuerpos moviéndose a la vez, danzando, uniéndose y separándose, para volver a completarse y lograr un cuadro de baile impecable.

Una obra con muchos disparadores y que permite al espectador desarrollar diferentes vivencias, como lo es la felicidad y romper con ciertos patrones que impone la sociedad. Los artistas logran una sincronización en el baile perfecta, hacen ruidos, saltan, bailan, gritan, caminan lento y pronuncian algunos monosílabos. Con el arte, consiguen darse a entender y proponen una muy buena experiencia para el público que mira. No hay momentos de quietud, todo se encuentra en movimiento, propone cambios, nuevas formas de comprender el espacio escénico y una mirada que no se detiene, que impide pensar y que invita a sentir.

También, se encuentra representado uno de los sentimientos más puros, como lo es el amor. Este, se refleja a través de dos intérpretes que se desvisten, se golpean, bailan y ríen. Modifican su vestuario en negro y blanco y se quedan con uno beige, ese color piel los interpela y los hace vivir la emoción mutua que se tienen. Luego esa acción se desvanece, pero queda flotando en el aire y hacen su entrada los artistas restantes que, vuelven a unirse para trabajar colaborativamente, en un gran cuadro de baile contemporáneo.

Después, la escena vuelve a cambiar radicalmente y una chica ingresa al escenario con un equipo de música, en donde se van escuchando canciones de todos los tiempos y que provocan risas y llantos. “OCM – Otra cosa mariposa” es una gran obra, en la que nunca se sabe lo que vendrá luego, con un sinfín de sorpresas, cambios instantáneos y nuevas formas de espectáculo. No es una obra para reflexionar, sino para disfrutar, el arte es cambiante e inesperado y aquí, se puede observar con lujo de detalle, invitando al espectador a dejar patrones impuestos y a dejarse llevar por la felicidad y lo que les ofrece la vida. La recomiendo!!!

FICHA TÉCNICO ARTÍSTICA:

Coreografía: Luz Comissoli

Asistencia coreográfica: Magalí Zato

Intérpretes: Antonela Simone, Daniel Sciarrone, Francisca Hunkeler, Francisca Zabala, Juana Montoni, Lucas ColiluanLuz Lingeri y Sofía Gómez

Producción ejecutiva: Natalia Bovati y Vicky Plaza

Asistencia de producción: Magalí Zato

Visuales: Julián Maddalena

Fotografía de producción: Malena Altamirano

Fotografía de función: Antonio Fresco

Video función: Lu Gaitán

Vestuario: Fiallo Design

Diseño de Luces: Fito Gomez

Sonido: Florencia Bordolini

Prensa: Kevin Melgar (0KM Prensa)

Dirección general: Luz Comissoli

“La casa de Bernarda Alba”- Crítica

Por Nadia Sotelo

Todos los jueves a las 21 hs, en el teatro La Tertulia (Gallo 826 – CABA) se revive un clásico de todos los tiempos: “La casa de Bernarda Alba”, del tan recordado dramaturgo Federico García Lorca y de vuelta a escena gracias a Maquetas Compañía de Teatro. La versión que se presenta y la dirección que se realiza corresponden a Sebastián Zaus, como asistente general se encuentra Sebastián Zignego, la asistente de dirección es Lucía Machado y como asistentes de producción están Daiana Franco, Nina Martinoia y Julia Simón.

La obra cuenta con un gran staff de artistas, que proponen una impecable actuación a la hora de contar una historia tan conocida y muy dura. El dramatismo que se anuncia en La casa de Bernarda Alba es de características muy pronunciadas y hay un equipo de artistas que interpretan sus papeles de manera superlativa. Estos son: Cecilia Dellatorre quien encarna a la imponente Bernarda Alba, Lupita Sosa hace uno de los papeles más importantes del espectáculo, a La Poncia y como la criada se encuentran Abril Martínez y Amanda Zapata. No obstante, no podían faltar las hijas de la malvada Bernarda y su madre, a la cual no quiere ver.

La interpretación de Adela, la hija más rebelde y la más pequeña de la casa, la realiza Lucía Machado, como Amelia se encuentra Oriana Jordan Cruz, a Martirio la personifica Juana Dafunchio, en el papel de Magdalena está Carolina Farré y como Angustias, se encuentra María Paz Spataro. Sin embargo, hay un papel que merece la pena resaltar y es el que corresponde a la madre de Bernarda, quién se llama María Josefa y cuya actuación la realiza Mariana Terrafino. Todas las actrices demuestran una gran versatilidad en el escenario y logran que el público se involucre en esa atmósfera de tormento, desgracias e infelicidad.

En escena, 5 sillas, una mesa, un sillón y música de fondo, todos estos elementos son suficientes para adentrarse en la vida que se experimenta en la Casa de Bernarda Alba. La iluminación es muy buena, la puesta excelente, así como también, la distribución de los espacios y el sonido. En La Casa de Bernarda Alba, se recrea la historia de una mujer de prestigio que se ha quedado viuda por segunda vez y desea que sus hijas guarden luto por la muerte de su padre, pero una de las chicas no querrá seguir esas normas y se encuentra profundamente enamorada, como lo es Adela (Lucía Machado). Entonces, se producirán un sinfín de situaciones que provocarán nerviosismo entre los espectadores.

Cecilia Dellatorre realiza una caracterización impecable de Bernarda Alba, se transforma en el ser más malvado y logra captar ese autoritarismo que impone Alba, con su tono de dirigirse a los demás en señal de orden y de tratar a sus hijas como seres despreciables y a veces, como prisioneras de la casa. Una de las escenas más notables es, donde se encuentra María Josefa (Mariana Terrafino) con sus deseos de salir de la propiedad y conocer al amor de su vida.

Angustias (María Paz Spataro) es la primera hija de Bernarda y la única que tiene gran fortuna, porque fue concebida por Alba y su primer marido. Como es la única de las hijas con dinero, está siendo cortejada por Pepe El Romano, quién es más joven que ella y solo la desea por su fortuna. Hay otras dos de las hijas de Bernarda Alba que sienten algo por este hombre, pero será una la que se encuentre completamente enamorada de él y no está de acuerdo con la inminente boda.

Esta versión de La Casa de Bernarda Alba es muy buena, tiene drama, pasión, misterio, desgracia, tristeza, interpretaciones de primera categoría y una historia que será atrapante hasta el último momento. La recomiendo!!!

Funciones:

Jueves a las 21.00 horas

Teatro La Tertulia (Gallo 826 – CABA)

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Duración: 70 minutos

FICHA TÉCNICO ARTÍSTICA

BERNARDA: Cecilia Dellatorre

LA PONCIA: Lupita Sosa

ADELA: Lucía Machado

MARTIRIO: Juana Dafunchio

ANGUSTIAS: María Paz Spataro

MAGDALENA: Carolina Farré

AMELIA: Oriana Jordan Cruz

CRIADA: Abril Martínez / Amanda Zapata

MARIA JOSEFA: Mariana Terrafino

FOTOGRAFÍA: Cristóbal Aldezabal

DISEÑO GRÁFICO: Raimar

ASISTENCIA GENERAL: Sebastián Zignego

PRENSA: Más Prensa

ASISTENCIA DE PRODUCCIÓN: Daiana Franco, Nina Martinoia y Julia Simón

PRODUCCIÓN GENERAL: Cecilia Dellatorre

ASISTENCIA DE DIRECCIÓN: Lucía Machado VERSIÓN Y DIRECCIÓN: Sebastián Zaus

“Un cielo gris”- Crítica

Por Nadia Sotelo

Los sábados a las 21 hs, en Vera Vera teatro (Vera 108, CABA) se presenta “Un cielo gris”. Una obra dirigida por Paula Bartolomé y escrita por Miguel Forza de Paul, quién también realiza una gran interpretación como actor en el papel de Marcos, al elenco lo completan Graciela Clusó, Carina Conti y Esteban Fagnani, los cuales destacan y logran excelentes actuaciones en escena, y como asistente de dirección está Agustín Bobillo.

“Un cielo gris” cuenta la historia de dos hermanos llamados Marcos y Lucas, que no se llevan bien y tendrán que buscar una solución ante un problema que han ocasionado sus hijos, que puede traer consecuencias devastadoras para la familia y en especial, para la carrera política de Lucas (Esteban Fagnani). Este se juega su candidatura a senador y cualquier inconveniente puede manchar su buen nombre y honorabilidad. La obra comienza con lo que simula ser un espacio al aire libre, en donde se escucha el ruido a los pájaros y se observan copas de vino en una mesa.

Este ambiente corresponde a la casa de campo de Lucas, que en esta ocasión recibe la visita de su hermano Marcos (Miguel Forza de Paul) que no ve desde hace tiempo y con el que se lleva mal desde los 6 años. Marcos es profesor universitario y desde hace algún tiempo lucha contra un padecimiento médico que no se explica con exactitud, pero en el que se menciona que las emociones fuertes pueden afectarle y por el que debe tomar medicación adecuada. En escena también se encuentran las esposas de los hermanos, Jimena (Graciela Clusó) es la mujer de Marcos y Carla (Carina Conti) la de Lucas.

Ellas, forman una pieza elemental para el argumento teatral y son las encargadas de apoyar y guiar a sus esposos, ante la grave falta que han cometido sus hijos. Si bien, los hermanos no mantienen un vínculo sano y buena relación, se estima que los hijos de cada uno: Alan y Dante, tienen una gran amistad como primos. Esta se rompe debido a un accionar indebido del hijo de Lucas, quien tiene dinero y piensa que puede hacer lo que quiera, pero sus actitudes tendrán consecuencias.

El hijo de Marcos, también ha participado de manera indirecta en este asunto, pero se siente culpable y no sabe qué hacer. Marcos ha ido a la casa de su hermano para encontrar una solución a la cuestión y que esta no se pague con dinero, quiere que los chicos se hagan responsables de lo que hicieron y que el abuso y violencia no se justifique. Lucas está pensando en abandonar su candidatura, por lo que puedan pensar los demás y es allí, donde se realiza uno de los interrogantes más importantes de la obra y que se debaten en la sociedad: ¿Qué es más importante: la salud mental y la vida de los chicos o la opinión de la sociedad?

En Un cielo gris, se habla sobre un tema muy preocupante, en donde un hombre ejerce poder sobre una mujer, sometiéndola y abusándose de ella por no tener una posición económica privilegiada. El poder muchas veces, logra perjudicar a los más débiles y salirse con la suya, pareciera que todo se puede comprar: lavarse las manos y no hacerse responsable, se encuentra aceptado para el poder, aunque es inadmisible para la sociedad. Sin embargo, el trasfondo de dramatismo que se presenta y el tema al que se hace mención, no es motivo para que en la obra no se vivan muchos momentos para reír. El final es muy bueno y plantea preguntas para el espectador: ¿Cómo se hace para vivir en este mundo repleto de malas acciones y donde la justicia no suele hacerse presente? ¿Sobreviven quiénes tienen dinero solamente? ¿Las culpas se pagan con plata o es posible hacerse cargo y aceptar la responsabilidad?

En esta obra hay muchas cosas para destacar, los temas que se tocan, los modos en qué se abordan, la utilización del espacio, la sensibilidad masculina que se representa en Marcos y de la que la sociedad teme, el poder, la culpa y responsabilidad se encuentran bien reflejados y hacen qué el público se sienta expectante hasta último momento. A veces, hasta lo más bello como es el cielo puede tornarse gris, si el clima decide ponerse feo y llover, lo mismo que las personas que lo tiene todo y deciden realizar acciones indebidas, se convierten en seres grises y dañinos. La recomiendo, no se la pierdan!!!

Funciones:

Sábados 21 hs

Vera Vera teatro (Vera 108, CABA)

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Duración: 60 minutos

FICHA TÉCNICO ARTÍSTICA

Texto: Miguel Forza de Paul

Actúan: Graciela Clusó, Carina Conti, Esteban Fagnani, Miguel Forza de Paul

Voz en Off: Sebastían Bosco, Antonela Marconi, Brooney

Vestuario: Alejandro Mateo

Escenografía: Alejandro Mateo

Sonido: Agustín Bobillo

Fotografía: Iván Pujadas Desperés

Diseño gráfico: Hernán Cassullo

Asistencia de dirección: Agustín Bobillo

Producción: Puente Lab

Dirección: Paula Bartolomé

“Todavía Quijote”- Crítica

Por Nadia Sotelo

Todos los viernes a las 21 hs, el Espacio de Teatro BOEDO XXI (Av. Boedo 854, CABA) presenta una divertida historia llamada “Todavía Quijote” de la cooperativa de teatro Libertablas, para recordar la literatura de Miguel de Cervantes Saavedra y su increíble Don Quijote de la mancha, uno de los libros más leídos de habla hispana, con más 500 millones de copias vendidas. En esta ocasión, se expone una versión para teatro con autoría, dirección y puesta en escena de Luis Rivera López y la espectacular actuación de Gustavo Manzanal.

“Todavía Quijote”, es un espectáculo creado para un solo actor, en donde se le presenta al público un sinfín de aventuras realizadas por una persona, el ingenioso hidalgo Don Quijote de la Mancha (Gustavo Manzanal). Una obra que recupera esa magia que tienen los cuentos, donde suceden muchos problemas y se puede disfrutar de una historia bien contada, con inicio, nudo y desenlace. Los sonidos, el vestuario y la iluminación son impecables y logran que el público se inserte en ese ambiente de locura, risa, tristeza y alegría que propone el texto de Quijote de la Mancha, con un marcado lugar para el disparate y comedia constante durante una hora.

Una de las cosas que destacan de sobremanera en esta gran propuesta de teatro, es la voz en off que se hace presente en la historia y brinda pistas para el espectador que se encuentra frente a esta particular performance. En escena, una estantería con libros de caballería, la causa de locura de Alonso Quijano y que lo hace convertir en otro, en Don Quijote de la Mancha, abandonando a todo lo que lo rodea y creando historias con los diferentes objetos que tiene.

Gustavo Manzanal es un actor muy versátil, no solo realiza una interpretación increíble del Quijote, evidenciando la locura provocada por una obsesión incontenible sobre la lectura, en donde busca convertirse en caballero andante y poseer un escudo y una espada. Sino que también, canta, toca la guitarra, se baja al público y recrea aventuras conocidas que se encuentran en el libro, pero que se realizan de forma fantástica con pocos elementos en el escenario. Menciona a su amigo de batallas Sancho Panza, a su gran amor Dulcinea del Toboso y al caballo Rocinante.

Esta comedia es sumamente chistosa, la escena de los molinos de vientos, que son “gigantes” para Don Quijote es fabulosa. Hacia el final de la historia, un momento de cordura lo hace repensar sobre su vida. En “Todavía Quijote”, se muestra cómo sigue sobreviviendo esta historia e invita a que todas las personas luchen por sus sueños, pese a todas las circunstancias, trabas y conflictos que pudieran aparecer, la obra busca revindicar la fuerza de aquellos que aún, sin responder a lo que se caracteriza como normal consiguen cumplir su misión en esta vida. ¡La recomiendo!

Funciones:

Viernes 21:00 hs

Espacio de Teatro BOEDO XXI (Av. Boedo 854, CABA)

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FICHA TÉCNICO ARTÍSTICA:

Actuación: Gustavo Manzanal

Escenografía y Vestuario: Alejandro Mateo

Música original: Daniel García

Arreglos para el Tema ‘Dulcinea’: Martiniano Manzanal

Maquillaje: Betina Imperiale Orbe

Producción: Sergio Rower

Prensa: Carla Rosaria Maieli

Asistencia general: Andrés Manzoco

Dirección y Puesta en escena: Luis Rivera López

“Queridas mías”- Crítica

Por Nadia Sotelo

Los sábados a las 22:30 hs, en Actors Studio teatro (Av. Díaz Vélez 3842, CABA) se presenta la obra “Queridas mías”. Un espectáculo en donde la comedia ocupa un rol central y el libreto pertenece a Beatriz Mosquera, la dirección es de Diamela Barichello, como asistente de dirección está Eliana Tobal y las encargadas de darle vida a los personajes son Clara Ambrosini, Mariela Eiriz Vigo, Natalia Vacis y Valentina Victoria.

Actors Studio cuenta con un teatro muy amplio y buena visualización desde las butacas, independientemente del lugar que se ocupe. La obra que se viene presentando en el lugar los días sábados es Queridas mías. Aquí, se exhibe una historia muy interesante en donde un hombre llamado Rafael, cita a tres mujeres que fueron muy importantes en su vida para contarles sobre un acontecimiento que le está sucediendo y que planteará una sorpresa inesperada para todas.

Como si fuera poco, los conflictos y problemáticas de la obra se generan, porque las tres mujeres que citó en una residencia lejana, en donde hay libros, sillas, bebidas, un reloj, perchero y escopeta, son su todavía esposa Isabel (Mariela Eiriz Vigo), la amante Mara (Natalia Vacis) y su secretaria Rosalía (Valentina Victoria). Además, el dilema radica en que estas mujeres que no se pueden ni ver, deberán compartir esa vivienda por 48 hs, a la espera de que Rafael se haga presente.

Pero, ante un objetivo muy difícil de ser cumplido, una monja (Clara Ambrosini) llegará para que las mujeres no terminen mal. Una historia donde la comedia se encuentra en prácticamente, todas las participaciones de las actrices, la forma de hablar de cada una y las interpretaciones que realizan, son muy buenas. La iluminación es perfecta y permite al público vislumbrar de una manera acertada, a las intérpretes que se encuentran en el escenario.

Isabel es la que más padece la estadía en esa casa, tiene una hija de Rafael y tiene que preservar los intereses de la misma. En casi toda la obra se menciona que Rafael recibió una herencia, pero nunca se llega a saber si es verdad. El papel de la monja será una pieza clave para comprender el final de la obra y, sobre todo, para descubrir por qué ese hombre que enamoró a tres mujeres, al final no se quedó con ninguna.

Queridas Mías, es una gran propuesta teatral, en donde un hombre desea contar su verdad y planifica un encuentro para ser comprendido y respetado, por aquellas mujeres que alguna vez amó. Las actrices realizan muy buenas actuaciones, la hora que dura el espectáculo se pasa volando. Una muy buena opción para divertirse con las ocurrencias de estas mujeres y develar el misterio por el que Rafael las cita. La recomiendo!!!

Funciones:

Sábados 22:30 hs

Actors Studio teatro (Av. Díaz Vélez 3842, CABA)

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FICHA TÉCNICO ARTÍSTICA:

Autoría: Beatriz Mosquera

Actúan: Clara Ambrosini, Mariela Eiriz Vigo, Natalia Vacis, Valentina Victoria

Vestuario: Barbara Engelbrecht

Asistencia de dirección: Eliana Tobal

Producción: Lautaro Mele

Dirección: Diamela Barichello

“Historias de pandemia”- Crítica

Por Nadia Sotelo

El 24 de septiembre se vivió la última función de historias de pandemia, una obra que tuvo lugar los sábados a las 21:30 hs en el teatro La tertulia (Gallo 826, CABA) y que es muy divertida. La dramaturgia, dirección y puesta en escena pertenecen a Carlos Cazila, en la producción ejecutiva se encuentra Guido Inaui Vega, la realización escenográfica es de Nicolás Cavallo, como asistentes de dirección están Julia Simón y Nita Digiovanni y en el diseño gráfico Antonella Van Ysseldyk. Los encargados de impregnar actuación a las maravillosas historias que se presentan son: Lucho Alva, Andrea Costantini, Sofía Montirón y Guillermo Orlando.

La pandemia fue un momento que, quedará plasmado en la vida de todos los seres humanos que habitaron y experimentaron los años 2020 y 2021. El 2022 dio un nuevo giro en la historia y propuso una reconversión de la vida post pandemia, pero en la cuarentena se vivieron muchas experiencias que no serían creíbles para las personas que se criaron en tiempos anteriores y ante tanta incomprensión, el teatro trae vivencias y refleja las experiencias de mucha gente que tuvo que atravesar en la cuarentena. Por eso, historias de pandemia es la cita perfecta para disfrutar de grandes diálogos, actuaciones y de momentos de risas.

En las tres historias que se relatan, se encuentran presentes lo que fue la vida en pandemia y las ideas apocalípticas que se vivieron, el poder de los medios para sobreinformar y asustar, en vez de llevar tranquilidad, los juegos de las farmacéuticas y los conflictos familiares provocados por una vivencia de 24/7. Sin embargo, el tono humorístico hace que esas escenas causen gracia y entretienen al público, sobre los aspectos que se pudieron haber vivido en pandemia.

Cada una de las historias lleva consigo un título que la identifica y en el que, se hacen presente dos actores para darle su interpretación. La primera se llama Cuidados y habla acerca de dos desconocidos que se encuentran en una plaza, son una mujer y un hombre que relatan sobre los padecimientos de la pandemia y la tristeza que viven producto de lo que les pasó a su vida. Si bien, es muy divertida, la historia que se encuentra detrás es muy triste, pero genera grandes risas por parte de los espectadores.

En la segunda historia que se titula la célula, se escenifica una situación que repercutió en muchas familias durante esos dos años de pandemia. Se trata de los conflictos producidos en el matrimonio por tener una convivencia del 24/7, además se reflejan los inconvenientes que se dieron cuando uno de los familiares salía a trabajar y sobre el bienestar de los niños. Por si fuera poco, se vislumbra la importancia de salir afuera cuando estaba prohibido y que solo los paseos a los perros, se permitían. Todas esas vivencias de cuarentena se encuentran reflejadas de un muy buen modo, lo que lo hace una gran obra de teatro.

La última historia se llama Colegas y retrata el trabajo que se realizaron en laboratorios, se habla acerca del sentido común popular en donde se piensa que los laboratorios experimentan con nuevos virus y toda esencia apocalíptica que impera detrás. Esta historia es sumamente divertida y muy chistosa.

Historias de pandemia es un gran espectáculo, refleja lo que se vivió en ese tiempo tan particular y lo que dejó en las personas. Invita a reflexionar sobre ciertas vivencias y a divertirse con las grandes interpretaciones de los actores en escena. ¡La recomiendo!

Ficha Técnica y artística:

Dramaturgia: Carlos Cazila

Diseño gráfico: Antonella Van Ysseldyk

Vestuario y escenografía: Grupo de “Historias de Pandemia”

Producción ejecutiva: Guido Inaui Vega

 Realización escenográfica: Nicolás Cavallo

Asistentes de Dirección: Julia Simón y Nita Digiovanni

Dirección y puesta en escena: Carlos Cazila

Equipo actoral:

Lucho Alva (Doctor y Él)

Andrea Costantini (Doctora y Ella)

Sofía Montirón (Ana)

Guillermo Orlando (Mauro)

“La Papa”- Crítica

Por Nadia Sotelo

Los sábados a las 20:30, en el Patio de Actores (Lerma 568, CABA) se presenta “La papa”. Una obra que habla acerca de la hermosa relación que tienen dos hermanas en los 90´, pero la decisión de un cambio de vida de una de ellas, modificará la existencia de ambas, para siempre. Escrita y protagonizada por Natalia Jesica Slovediansky, quién además de interpretar un excelente libreto, revive parte de la historia de su vida con el espectáculo, no está sola, la acompañan Florencia Rodríguez Zorrilla, Lucas Spano, Mariana Alvarez y Alejandro Ezequiel Cohen que, realizan actuaciones increíbles; cada uno en su papel. Una obra dirigida por Nicolás Salischiker, con una gran iluminación y sonido, coreografías e incluso, canto en escena.

La papa, cuenta la historia de Nuni cuyo papel lo representa la dramaturga, Natalia Jesica Slovediansky. Sin embargo, el sábado no pudo estar presente y la interpretación corrió por parte de la coreógrafa Sheila Saslavsky, que realizó el papel de maravilla y le dio una impronta única. Escribir sobre la propia historia es un trabajo muy arduo, pero Natalia logró demostrar el amor que siente por su hermana, a la cual respeta y quiere. En escena se puede ver el lazo de la hermandad, ese aspecto tan fuerte e íntimo, que solo lo pueden vivir quienes tienen un hermano.

En la obra se recorre la infancia de Nuni y Luli (Florencia Rodríguez Zorrilla), en donde disfrutan de la música de la época, de la diversión y de la cocina, en la que preparan comidas con papas, mientras escuchan la música de Gilda que les presenta Susana, la mujer que las cría y les da un verdadero amor. El judaísmo es la religión que profesa la familia y que hace que Nuni se encuentre en disputa con ella, hasta el punto de no saber si continuar o abandonarla. No obstante, Luli toma una decisión muy importante con respecto a su religión y se convierte en judía ortodoxa, lo que hace que Nuni se sienta perdida y piense que su hermana la ha abandonado.

Un espectáculo en donde está presente la comedia, el baile y el canto, la escena en donde Nuni asiste a las charlas de ateos anónimos es muy divertida, a la vez que genera diálogos muy fuertes. Mientras las chicas se van haciendo grandes, hay un elemento que siempre se encuentra presente en la cocina: la papa, de alguna manera es parte de su vida. Las decisiones que toman los hermanos, pueden impactar y generar cambios profundos, en la obra se expresa la importancia de aceptarlos y entenderlos. La libertad es que el otro se sienta bien con su vida y apoyarlo en las decisiones, en la Papa se observa el amor que ambas se tienen y que la hermandad, es capaz de superar cualquier obstáculo. Una obra hermosa, que interroga sobre lo que somos y lo que queremos que los otros sean, de aceptar, de no juzgar, de comprender y, sobre todo, de amar. La recomiendo!

Funciones:

Sábados 20:30 hs

Patio de Actores (Lerma 568, CABA)

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FICHA TÉCNICA

Dramaturgia: Natalia Jesica Slovediansky

Actúan: Natalia Jesica Slovediansky, Florencia Rodriguez Zorrilla, Lucas Spano, Mariana Alvarez y Alejandro Ezequiel Cohen.

Dirección: Nicolás Salischiker

Asistencia de dirección: Emilia Antonella Bacigaluppi

Diseño de escenografía: Micaela Sleigh

Asistente de escenografía: Guadalupe Borrajo

Diseño De Iluminación: Daniela Garcia Dorato

Diseño y realización de vestuario: Emilia Antonella Bacigaluppi

Diseño De Sonidos y música: Fernando Del Gener

Asesoramiento en composición musical: Ines Maguire

Coreografía: Sheila Saslavsky

Fotografía: Daniel Rodriguez

Diseño gráfico: Render Martínez

Producción ejecutiva: Paola Gómez

Producción general: Nicolás Salischiker, Natalia Jesica Slovediansky

Prensa: Kevin Melgar (0KM Prensa)

Redes sociales: @lapapa.teatro

Dirección general: Natalia Jesica Slovediansky, Nicolás Salischiker

“Querido San Antonio”- Crítica

Por Nadia Sotelo

Los viernes a las 22 hs, en el teatro La Tertulia (Gallo 826, CABA) se presenta “Querido San Antonio”. Una obra maravillosa de la Compañía Veneno que, cuenta con la autoría de Patricia Suárez y la dirección de Camila Casanova, las actuaciones de Melina Figueiras, Daiana Russo, María Belén Sarraute y Jorge David Torres, la escenografía e iluminación es de Fernando Díaz, el vestuario de Soleil Acevedo y la asistente de dirección es Lourdes Natali Lazarte Tassara.

La tertulia es un teatro pequeño, pero cuando se corre el telón y los espectadores se sientan en sus butacas, se observa una sala teatral muy amplia y perfecta para disfrutar de una obra como Querido San Antonio. Este espectáculo, cuenta la historia de dos mujeres que se sienten tristes por no tener a su lado a un marido y le rezan a San Antonio, con el propósito de encontrar al ideal. El caso de Pina (Milagros Previgliano/ Daiana Russo) es muy común, si bien se encuentra casada y tiene una hija, hace mucho tiempo que no sabe nada de su esposo que se fue a luchar en la guerra y busca en su oración, el deseo de recuperarlo. Filumena (María Belén Sarraute) por su parte, es una mujer que está cerca de los 30 y espera a su príncipe azul, que nunca llega y le reza a San Antonio para que le haga el milagro de aparecer.

Pero hay un personaje que es muy importante y consigue que el argumento se desarrolle de la mejor manera. Se trata de Carmela, interpretada por Melina Figueiras y que es la encargada de limpiar la iglesia y de pedir por los deseos de algunos feligreses, a cambio de dinero. Este personaje es único, disparatado y causa mucha gracia para quienes se encuentran en el público, además al ser la sobrina del cura todos se preguntan cuál es la verdadera relación que mantiene con él. Sin embargo, la trama no sería completa si no apareciera Eliseo, (Jorge David Torres) el marido de Pina, que regresa de la guerra y que se encuentra en búsqueda de su amor.

Una obra de teatro en donde la risa está asegurada, las escenas de comedia son grandiosas y en parte, se deben a la excelente interpretación que realiza María Belén Sarraute. Su actuación es fabulosa, el personaje que interpreta despide comicidad en todas sus dimensiones y logra que el público estalle con sus ocurrencias. Melina Figueiras, es muy buena actriz realiza una excelente interpretación de Carmela, un papel que es muy difícil de hacer, pero que se encuentra realizado de un excelente modo. La participación de Jorge David Torres es muy pequeña, pero suficiente para cerrar la historia y encontrar un desenlace que nunca se hubiera pensado; aquí también se presenta una actuación muy buena. El papel de Pina lo interpretó Milagros Previgliano, que ahora es reemplazada por Daiana Russo, una actuación impecable y representativa de tantas mujeres que experimentan melancolía cuando sus maridos se van a luchar y que tienen que seguir adelante por sus hijos, pero con el corazón roto.

Querido San Antonio, dura solo 60 minutos y el tiempo pasa volando, el vestuario de las actrices es perfecto y se ajusta a la iluminación, los objetos externos como el abanico que se utiliza en escena o los asientos, logran una gran escenografía. El único inconveniente que se observa en la función es cuando las protagonistas cantan, no se llega a escuchar la voz en todas sus dimensiones, pero todas las escenas que se presentan son tentadoras para la risa y hacen que esa única cuestión se olvide y se disfrute de todo lo que los artistas interpretan con sus actuaciones.

Una obra para interrogarse sobre lo qué es el amor, que nadie se debe sentir mal si no lo encuentra y que en la vida hay miles de historias para escuchar. Querido San Antonio, es una obra para disfrutar y terminar el viernes con carcajadas y aplausos. La recomiendo!!!

Funciones:

Viernes 22 hs

Teatro La Tertulia (Gallo 826, CABA)

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FICHA TÉCNICO ARTÍSTICA

Autoría:

Patricia Suárez

Adaptación:

Camila Laura Casanova

Actúan:

Melina Figueiras

Daiana Russo

María Belén Sarraute

Jorge David Torres

Vestuario:

Soleil Acevedo

Escenografía:

Fernando Díaz

Diseño de escenografía:

Camila Laura Casanova

Diseño de luces:

Fernando Díaz

Asistencia De Producción:

Lourdes Natali Lazarte Tassara

Puesta en escena:

Camila Laura Casanova

Dirección:

Camila Laura Casanova

“La Irredenta”- Crítica de la obra de teatro

Por Nadia Sotelo

El sábado terminó “La irredenta”, de Beatriz Mosquera. Una obra estupenda que realizó la productora Al Carajo Producciones que, cuenta con las actuaciones de Eliana Tobal como La Lola, Valentina Victoria como Dolores, Bárbara Engelbrecht en el papel de Irredenta y Agustina Romeo como Azucena. Sin embargo, este último papel fue encarnado por la excelente directora del espectáculo en su última función, Diamela Barichello.

El teatro Azul (Av. Corrientes 5965, CABA) fue el encargado de presentar esta fabulosa historia. Una sala pequeña, pero con una visualización adecuada desde cualquier butaca, el sonido y la iluminación fueron impecables, brindando un ambiente ideal para que el público se sintiera partícipe en esta interpretación teatral.  La Irredenta, cuenta la historia de cuatro personas que trabajan en la noche prostituyéndose, obligadas a realizar todos los días lo mismo, sin escapatorias; siendo prisioneras de un sistema que las condena a repetir y seguir lo que se les ordene, sin posibilidad de cambiar, dominadas a cumplir con su tarea de por vida.

En La irredenta, se muestra el sufrimiento de las personas que trabajan en este oficio y que no desean hacerlo, que tienen sueños y esperanzas, pero pocos recursos y ayuda para lograr una verdadera transformación. Las cuatro personas que experimentan este martirio conviven en una casa repleta de amargura, tristeza y soledad. Azucena, quiere cambiar de vida y se le presenta la oportunidad para hacerlo, su sueño es convertirse en madre y vivir con la persona que ama, se la juega y va en búsqueda de sus sueños, pero el círculo de acontecimientos desafortunados que la rodea, la vuelve a colocar en esa casa donde los sueños no existen y en ese trabajo que, consiste en vender su cuerpo a cambio de dinero, donde no se experimenta el amor, ni el placer deseado.

La Irredenta no tolera más esa vida, quiere cambiar, disfrutar, en otras palabras: vivir, y una situación que le comunican sobre un cambio de empleo, la invita a cambiar de energía a pensar en un mañana y a luchar por un futuro. Un pronóstico sobre su salud la desestabiliza, no tiene muchos días para seguir su trabajo como prostituta y esa modificación de empleo será su mayor deseo; pero este no se concretará y de nuevo, la vida se le presenta como dolorosa y angustiante.

Dolores vive en su mundo, alejada de la realidad, recordando a alguien que ya se fue y por el que sigue sufriendo. Las vidas de las protagonistas son apagadas, tristes y sin oportunidades para nuevos desafíos. No obstante, La Lola es la que más sufre, se la ve fuerte y dispuesta a mandar a las demás, cuando ella, es una más que no puede cambiar y que se deja dominar por el sistema que expulsa a las prostitutas y las sumerge a un laberinto sin salida, donde los cuerpos permanecen inmóviles, sin decir nada y cumpliendo con su tarea de encontrar dinero para sobrevivir.

La Irredenta muestra cuerpos vacíos, dolientes, prácticamente muertos, donde el cambio es una prohibición y el trabajo de la noche una obligación. Las actrices son estupendas, interpretar una historia de estas características no es sencillo y lo hacen de maravilla, hay muchos momentos para reír y algunos otros, para llorar. Eliana Tobal en el papel de La Lola es magnífica, este es un personaje que no se encuentra mucho tiempo en escena, pero la impronta que le pone y la perfecta caracterización, lo hace que sea uno de los momentos más esperados. El final de la obra es increíble.

Una obra para reflexionar sobre la sociedad, que muchas veces no mira a su alrededor y no ofrece la ayuda necesaria. Nadie debería trabajar de lo que no le guste, todos tendrían que tener la oportunidad de cambiar y de evolucionar, pero la dominación y la estigmatización se encuentran en todas partes y salir de ese círculo es muy complicado. Un espectáculo muy bien logrado, con excelentes actuaciones y un mensaje duro: ¿Es posible la libertad del sujeto en un mundo de dominación y encasillamiento permanente? La irredenta es una obra para pensar, los invito a verla.

INTEGRANTES

Actrices

Bárbara Engelbrecht – Irredenta

Eliana Tobal – La Lola

Valentina Victoria – Dolores

Agustina Romero – Azucena

Diamela Barichello – Azucena

 Dirección y puesta en escena

Diamela Barichello

Producción Ejecutiva

Lautaro Mele

Vestuario

Bárbara Engelbrecht

Redes Sociales

Agustina Romeo