“Mundito y yo”: Crítica

Los viernes a las 21: 30 hs se presenta “Mundito y yo”, en el teatro El Desguace (México 3694 CABA). Una obra maravillosa que cuenta con la actuación de Alberto Nores, el libreto y la dirección de Daniel Kersner, la iluminación de Lali Alvarez y, escenografía de Virginia de los Santos.

El Teatro El Desguace, es muy lindo con sus elementos de carpintería pegados en las paredes. A la hora de ingresar a la sala teatral, se puede observar una mesa de luz, un vaso con agua y un sillón en el que se encuentra una persona sentada, pero las luces dejan ver una pierna más y, con el desarrollo de la obra se entiende por qué, además de una bella melodía de tango. Mundito y yo, cuenta la historia de Edmundo (Mundito) y Roberto (Tito), dos hermanos siameses que nacieron en los años 50´.

Roberto relata la historia de su familia y de lo que les tocó vivir por tener esa condición genética, se habla de la lejanía que tuvo parte de los parientes hacia los siameses. El rechazo que sufren muchas personas por no ser lo que se acepta como normal, por ser diferentes y, que se va internalizando en la mente de las personas que día a día deben luchar consigo mismas y, con las dificultades de su cuerpo, además de enfrentarse contra las burlas y la discriminación que expresa gran parte de la población.

Se menciona sobre la importancia de los doctores y de los padres en el acompañamiento de los siameses. En este caso, los padres adoraban a los dos niños, pero tenían una carga muy fuerte que los hacía ser infelices, conduciendo a uno de ellos al alcoholismo. Un mal que surge, ante la desesperación, la melancolía y la frustración. Edmundo y Roberto, eran inoperables y, sabían que iban a tener que vivir toda su vida unidos el uno al otro. Sin embargo, cada uno tenía sus propios gustos y su intimidad; pero poseían una pierna en común que los unía siempre.

Mundito y yo muestra el sufrimiento, el desprecio y el rechazo que existe en el mundo, hacia aquel que no es igual. La crueldad desencarnada que habita en los seres humanos ante lo distinto y, la indiferencia que no brinda alternativas para que los individuos que sufren condiciones genéticas, puedan integrarse y ser tratados como iguales, con las mismas posibilidades que otros. La actuación que realiza Alberto Nores es impactante, fantástica, recrea al personaje de una manera increíble, permitiendo que el espectador transite por diferentes experiencias que van desde la risa, hasta el llanto, demostrando admiración hacia lo que se ve y esperando que la obra no termine en poco tiempo. La iluminación es magnífica, cada cambio de escena y temporalidad se marca con ella; encontrándose presente en toda la obra, acentuando la temática y brindando un clima especial para el desarrollo de la actuación.

Un espectáculo impecable, digno de admirar y para disfrutar. La emoción es imposible de ser contenida, el texto de Daniel Kersner es preciso, demostrativo y creíble. No se habla mucho acerca de este tema en los medios, ni en las escuelas: ser siamés es una problemática con la que conviven millones de seres humanos y con la que deben combatir a diario, resistiendo las injusticias de una sociedad que no está preparada para lo diferente, que juzga y no propone soluciones, ni ayuda para la integración, ni busca el bienestar de aquel que no forma parte de su familia o, de sus allegados.

Mundito y yo, es una obra para pensar y reflexionar acerca de una condición muy rara, pero que existe y debe visibilizarse. El final es muy emocionante, uno de los hermanos sufrirá un acontecimiento determinante y el otro, lo apoyará y no querrá dejarlo solo. Una obra que llega al corazón de cualquiera que tenga sentimientos y, la cabeza abierta para aceptar al otro. Todas las personas son diferentes y viven distintas pruebas en la vida, pero cuando el desafío es el propio cuerpo y la estigmatización social, las posibilidades de una vida plena y feliz, se hacen cada vez más difíciles. Se celebra que existan este tipo de obras, que invitan a conocer sobre realidades de las que no se tiene conocimiento. Es grato y maravilloso, ver tanto profesionalismo es escena sobre un tema tan complicado, el público sale emocionado y el aplauso se refleja con mucha presencia marcando la aprobación absoluta de la obra.

El nombre que lleva la obra es el indicado, antiguamente era muy común el uso de los sobrenombres y, queda espectacular. Cuando Alberto Nores en el papel de «Roberto/Tito» menciona que “no se elige ser siamés, sino leal”, establece la posición de la dignidad humana, la de pensar en el otro, la de ayudar a que nadie se sienta inferior y diferente, a no dejarlo solo y, a tener a alguien en quien apoyarse. Es una obra emocionante, desgarradora por momentos, pero que permite una atención increíble por parte del espectador y, que llega hasta el alma. ¡La recomiendo!

FUNCIONES:

Teatro: El Desguace (México 3694 CABA)

Viernes 21:30 hs

Duración: 55 minutos

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FICHA TECNICA:

Dramaturgia: Daniel Kersner

Actúa: Alberto Nores

Música: Federico Kersner

Vestuario: Virginia de los Santos

Escenografía: Virginia de los Santos

Iluminación: Lali Alvarez

Fotografía: Inés Viqueira

Diseño Gráfico: Romina Ferrero

Dirección: Daniel Kersner

Asistencia de direccion: Patricia Samaniego

Redes: Antonella Steinle

Prensa: Carla Rosaria Maieli

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“Frida viva la vida”: Crítica de la obra de teatro

Por Nadia Sotelo

Los domingos a las 21 hs se presenta “Frida viva la vida”, un unipersonal maravilloso interpretado por María Manuela González, en el teatro Multiescena (Av. Corrientes 1764, CABA). Con una ambientación impecable y una iluminación perfecta, se invita al espectador a incorporarse en el mundo de Frida kahlo, en donde se aprecia su lucha por la vida y, todos los obstáculos que tuvo que atravesar.

La obra relata la historia de Frida Kahlo, cada uno de los elementos que se encuentran en el escenario tocan una parte de su historia y la reflejan completamente. Es día de los muertos y Frida, espera invitados mientras habla acerca de los acontecimientos de su vida; María Manuela González realiza un excelente trabajo al interpretar a Frida, canta, actúa y evidencia el sufrimiento por el que tuvo que pasar la esposa de Diego Rivera. Las referencias a México se encuentran por todos lados, en las decoraciones típicas, el tequila y las músicas que se oyen.

El escenario se encuentra dividido por tres secciones: uno es el santuario, otra de las partes es el sillón que tiene en su parte superior un autobús de papel crepé y la última ubicación es la mesa. María Manuela González, se mueve de un lugar a otro, actúa de una manera fenomenal y su cuerpo se convierte en el de Frida Kahlo. Habla sobre la poliomielitis que sufrió la pintora, la que hizo que una de sus piernas perdiera movilidad y fuera amputada en los últimos años de vida de la artista, también se habla del accidente que sufrió y que le partió la espalda en mil partes.

Una de las escenas más impactantes es cuando habla de su accidente en el bus, donde el oro líquido se une a su cuerpo. Está reflejado de una manera increíble en el espectáculo y llena de emoción a los espectadores, que observan ese acontecimiento y experimentan el sufrimiento. Frida viva la vida, es un espectáculo maravilloso, que toca la vida de Frida a fondo y sin anestesia, cuenta absolutamente todo, sus miserias, el amor eterno a su esposo y que sigue pese a todos sus males y pronósticos. El cigarro y el tequila son sus compañías, la relajan y la invitan a Frida a amortiguar los problemas de la vida.

En la obra se plantea la importancia del arte, en este caso de la pintura. Frida lo retrata todo y se siente bien pintando. Un espectáculo que vale la pena ver y que ha triunfado en más de 23 países, María Manuela González, es la indicada para llenar de vida a Frida, la actriz lo puede todo y lo hace todo. Sus movimientos, su forma de pisar el escenario, de cambiar las tonadas indistintamente: logra llenar el espíritu mexicano a los argentinos que pisan la sala. Frida viva la vida es cruda, pero tiene todo lo que se requiere para que alguien conozca la existencia de Frida Kahlo en profundidad y le genere emoción, dura solamente 60 minutos y se pasa muy rápido.

La recomiendo absolutamente y, sirve para pensar en todas las circunstancias que se tienen en la vida, pero que siempre hay momentos de felicidad y que la subsistencia la crea uno mismo. Los invito a verla y a apreciar el maravilloso trabajo que realiza María Manuela González en escena, logra una personificación impecable, que hace pensar que se tiene a Frida Kahlo en frente.

FUNCIONES:

Teatro: Multiescena (Av. Corrientes 1764, CABA)

Domingos 21 hs

Duración: 70 minutos

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FICHA TECNICA:

Elenco: María Manuela González

Dirección: Maxi García

Dramaturgia: Humberto Robles

Iluminación y sonido: Leo López

Producción General: Geluk

Prensa: Entre Líneas

“Los demonios”: Crítica de la obra de teatro

Por Nadia Sotelo

Todos los sábados a las 21 hs en el Teatro El Convento (Reconquista 269- CABA) se presenta “Los demonios”. Una obra que se basa en la novela de Fiódor Dostoievski, cuenta con la adaptación, dirección y, puesta en escena de Martín Barreiro, una iluminación de lujo y un elenco de primera categoría.

En el escenario, más de 10 actores dan vida a una historia de misterio, desesperación, venganza, asesinatos y suicidios. Luces bajas, oscuridad, gritos, música y locura guían la historia de “Los demonios”, la religión forma parte de los diálogos y las creencias o escepticismo permiten el desarrollo de escenas fabulosas en donde los artistas pueden demostrar todo su potencial actoral. Es una obra de teatro, en la que no se puede dejar de prestar atención a lo que ocurre, los actores salen y entran por las puertas, las luces remarcan las escenas principales y la oscuridad oculta a aquellos actores que no forman parte del cuadro.

Se observa un gran trabajo en equipo, en muchas partes del espectáculo se trabaja en grupo, sacando y moviendo diferentes elementos que no conforman las escenas. Los actores son increíbles, logran que el espectador se involucre en esa atmósfera demoníaca con sentimientos de destrucción, matanza y misterio. Una obra que debate sobre lo que está bien y lo que no, que habla sobre el poder que se puede tener y si hay un Dios que todo lo sabe y puede o, si está en uno mismo la salvación.

Toca muchos temas, como la destrucción y la creencia en los demonios. Aquí, se puede ver cómo la misma gente se destruye entre sí y, por otro lado, quienes luchan pensando en un mundo mejor. El asunto de la religiosidad es un punto clave para la obra, en muchas ocasiones se escucha la importancia de la creencia en un ser superior y donde, se debe buscar a Dios. A lo largo de la historia, las personas han producido las peores atrocidades en búsqueda de este ser, en donde los propios demonios internos muestran una nueva cara y entorpecen la libertad de los otros.

Los demonios, muestra cómo un grupo de personas con ideas malignas pretende perjudicar a la humanidad, con deseos de muerte, destrucción y desidia. Es una obra que invita a pensar sobre lo que puede ocurrir en la mente de cualquier persona, en donde dejarse guiar por los de afuera o, esperar que un ser supremo logre dominar a cada uno, es algo que no será beneficioso y traerá más problemas que alegrías. Cada persona tiene sus propios demonios, batallas por las cuales combatir y salir adelante, circunstancias desfavorables y momentos de felicidad, nadie puede tomar la decisión por el otro. Todos estos argumentos, se reflejan en la obra y quedan plasmados en los papeles de Nikolai (Bruno Chmelik), Stephan (Fernando Blanes) y, Jonathan Di Costanzo (Piotr).

Una obra para ver y disfrutar de las actuaciones de todos los intérpretes, con escenas que conmueven y que dejan pensando al espectador. Para descubrir cuáles son nuestros demonios y de la importancia que tiene salir de ellos, que el afuera no puede modificar la existencia y, que siempre hay que luchar por sobrevivir, porque el poder se encuentra en uno mismo y la vida vale la pena.

FUNCIONES:

Teatro: El Convento (Reconquista 269- CABA)

Sábados 21 hs

Duración: 100 minutos

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FICHA TECNICA:

Autoría:

Fiódor Dostoievsky

Adaptación:

Martín Barreiro

Actúan:

Claudia Benavides, Fernando Blanes, Pamela Caro, Bruno Chmelik, Jonathan Di Costanzo, Mimi Ferraro, Mayra Nerea, Nina Gianuzzi, Alejandro Ivanoff, Santiago Moreira, Ariel Puente, Graciela Rovero, Fabio Veron

Fotografía:

Fernando Ibarra

Diseño gráfico:

Maximiliano Magarinos

Entrenamiento:

Luciano Crispi, Graciela Rovero

Asistencia coreográfica:

Luciano Crispi, Graciela Rovero

Escenografía, vestuario y diseño de luces:

MB-MB

Prensa:

Alfredo Monserrat

Puesta en escena:

Martín Barreiro

Dirección general:

Martín Barreiro

“Julius”: Crítica de la obra de teatro

Por Nadia Sotelo

Los sábados a las 20 hs, el Belisario Club de Cultura (Av. Corrientes 1624) presenta “Julius”, una obra de teatro increíble basada en el libro “Reportaje al pie de la horca” de Julius Fucík. Cuenta con la dramaturgia de Rubén Pagura y, la gran interpretación de Luis Gianneo, quien realiza muchos personajes en escena.

Julius, relata la historia de un periodista checo que permaneció en la cárcel de Pancrák por más de 400 días, por ser integrante del partido comunista checo y negarse a colaborar con los nazis. Un espectáculo que no necesita de muchos elementos para ser grandioso, un excelente manejo de luces, sombras, telas y un banco, son suficientes para generar la atmósfera por el que el personaje tuvo que pasar.

Luis Gianneo demuestra todo su potencial actoral, en cada una de las escenas que interpreta. Un unipersonal que aparenta ser una obra de teatro con muchos actores, pero que en realidad son interpretados por una sola persona, Luis Gianneo. Aquí, el intérprete utiliza el mismo espacio que tiene, pero demuestra un sinfín de ubicaciones en donde experimenta diferentes escenarios que le permitirán evidenciar su paso por los últimos días con vida y, las personas con las que cruzó palabra.

Julius piensa que algún día todo terminará y, que recuperará esa libertad que perdió por militar por lo que él consideraba. Habla de cómo el capital lo había destruido todo y que incluso, se asistía al desprecio hacia la vida ajena. Luis es fantástico, en los momentos en que realiza movimientos con las sombras y el público se paraliza por lo que observa, no hay dudas de que brinda una actuación impecable, que no requiere de grandes movimientos. Su palabra y su interpretación, logran conmover a los espectadores, es imposible no ponerse en el papel que realiza y en la versatilidad que experimenta al realizar cada uno de los personajes que hace.

Julius extraña mucho a su mujer, quien también se encuentra prisionera. Imagina todo lo que hará al salir de la prisión, los libros que terminará de escribir, todo lo que le falta contar y, sacar a luz. En un momento, uno de los guardias que lo visitaba le entrega un lápiz y papel, con el que Julius escribirá las memorias de su vida en encierro, que le serán enviadas a su esposa.

Una obra que es actual, porque representa a miles de militantes políticos que se encuentran encerrados por querer un mundo mejor, por no estar de acuerdo con los manejos que se hacen en el gobierno y por no querer callarse. Julius desea la vida, la libertad y la posibilidad de un mundo mejor, aunque sabe que en el coto plazo no se conseguirá, apuesta al futuro.

Un espectáculo para admirar cada una de las escenas, para observar cómo Luis Gianneo puede dar vida a un tema tan triste y, con tanta carga emotiva. Si bien, hay muchos momentos de comedia, también hay mucho de tragedia y, sobre todo, de bronca y desconsuelo. Julius es cruda, pero impactante, el intérprete lo puede todo en tan solo 70 minutos, sin lugar a dudas, una obra para ir a ver.

FUNCIONES:

Teatro: BELISARIO CLUB DE CULTURA (Av. Corrientes 1624)

Sábados 20 hs

Duración: 72 minutos

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FICHA TECNICA:

Autoría:

Rubén Pagura

Actúan:

Luis Gianneo

Diseño de luces:

Fernando Raíces

Realización de escenografia:

Vera Rinaldi

Redes Sociales:

Ivo Corvalan

Diseño de imagen:

Ivo Corvalan

Dirección de actores:

Luis Gianneo

“Delirio a Dúo”: Crítica de la obra de teatro

Por Nadia Sotelo

Los domingos en el Jufré Teatro Bar (Jufré 444 – CABA) se presenta “Delirio a Dúo”, una obra de teatro que tiene todos los elementos para que el público disfrute de un buen espectáculo. El libreto pertenece a Eugène Ionesco, la dirección es de Lizardo Laphitz, cuenta con las actuaciones de Felipe Ponce de León, Julia Labadié, Carla Velasquez, Bruno Blasi y Juan Halac; el vestuario es de Alicia Gumá y la escenografía de Víctor De Pilla.

El Jufré Teatro Bar, es el ambiente ideal para disfrutar de tomar algo mientras se espera la función. Delirio a Dúo, no comienza en la sala teatral como cualquier obra de teatro; ya se inicia en el lugar de espera de los espectadores, que se encuentran comiendo o tomando algo. De repente, aparecen dos personas vestidas de militares que indican de lo que tratará la obra en unos momentos y, luego se van. Cuando se inicia la función, se escuchan ruidos muy fuertes, que aparentan ser explosivos y una casa muy precaria, en donde se observa a una mujer que se arregla y que es protagonizada por Julia Labadié y, por el otro lado, a un hombre que se encuentra alejado de ella, cuya actuación pertenece a Felipe Ponce de León.

La separación que existe entre ambos es notoria y, se puede apreciar que se trata de una pareja. En esta ocasión, lo único que los invita a conversar es el debate sobre un tema de origen animal, discuten si el caracol y la tortuga son el mismo animal o no, una situación que obliga a cada una de las partes a tener la razón sobre el tema y a no establecer un punto de acuerdo en común. Delirio a Dúo, muestra la vida cotidiana de muchas parejas que se siguen eligiendo, pero que se sienten frustradas por la decisión que algún día hicieron en donde formalizaron su amor.

Ambos se quejan y hablan acerca de lo desdichados que se sienten, mientras ella se atormenta por haber dejado un matrimonio hace mucho tiempo, él se lamenta por el divorcio que tuvo con su ex mujer. Si bien, han permanecido en pareja durante más de una década, viven como si estuvieran en compañía de extraños. La obra refleja la situación que experimentan muchas parejas que ya no se desean y, que viven amargadas, sin arriesgarse a vivir lo que realmente quieren y, sin tomar caminos por separado.

Todo es motivo de discusión en esa unión que cada vez, se aleja más. Afuera de la casa también hay peleas, pero no son producida por ellos, sino por militares que bombardean casas vecinas. Sin embargo, no hay una diferencia entre estar afuera y adentro, ya que la guerra se encuentra presente por las bombas en el exterior, que destruyen vidas humanas y, adentro de la casa está la guerra de las palabras en donde el más mínimo contacto con el otro, los confronta y los hace actuar como combatientes de bandos distintos.

Delirio a dúo es maravillosa, tiene momentos de mucha comedia, con la que los espectadores ríen y se sienten partícipes de la historia. Pero, por el otro lado muestra la tragedia, el agobio de vivir siendo infeliz, sin objetivos en común y, sin poder salir a tomar el fresco del viento, ante la situación bélica que se vive.

Los actores son excelentes, los sonidos, las luces y, cada uno de los elementos de utilería: son precisos para el desarrollo de la escena. Una obra para ver y para descubrirse, para evaluar cómo son las situaciones de pareja y, si tiene sentido vivir con alguien al que ya no se ama y, con el que solo se discute. También, abre los ojos para pensar en el afuera; en el espectáculo se observa un grave problema bélico y, los protagonistas de la historia solo se inmutan cuando sus vidas están en peligro, viven confrontados en su casa, cuando deberían estar felices de tenerse y apoyarse.

Una gran obra y que vale la pena venir a ver!!!

FUNCIONES:

El Jufré Teatro Bar» (Jufré 444 – CABA)

Domingos 18 hs y 19.45 hs

Duración: 60 minutos

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FICHA TECNICA:

Autor: Eugène Ionesco

Dirección: Lizardo Laphitz

Escenografía: Víctor De Pilla

Vestuario: Alicia Gumá

Actúan: Felipe Ponce de León, Julia Labadié, Carla Velasquez, Bruno Blasi y Juan Halac.

Asistencia de Dirección: Carla Velásquez, Bruno Blasi y Juan Halac.

Edición y mezcla de sonido: Windar Media Producciones

Operación de sonido: Malena Elizabeth Palombo

Fotografía y Diseño de Imagen:  Windar Media Producciones

Diseño de luces: Lizardo Laphitz

Producción General: Julia Labadie

PrensaMás Prensa: Analía Cobas y Cecilia Dellatorre

“Cavallería Rusticana”: Crítica de la Ópera

Por Nadia Sotelo

El sábado 7 de mayo a las 21 hs, el Teatro Empire (Hipólito Yrigoyen 1934 – CABA) estrenó “Cavallería Rusticana”. Una Ópera con una orquesta imponente, que cuenta con los músicos de la Fundación Musizap que lo dan todo, con la dirección musical y el sello de Silvana D’Onofrio; un coro impecable, compuesto por sopranos, tenores, bajos, mezzos e, intérpretes de primera categoría. La autoría del libreto pertenece a Pietro Mascagni, en base a los textos de Giovanni Targioni Tozzetti (1712 – 1783) y Guido Menasci (1867 – 1925). Cavallería Rusticana transcurre en Italia en el siglo XIX, en épocas de pascua y refleja una tragedia que, podía desatarse de manera habitual en esa época.

El amor, la traición, la infidelidad, la pasión, los secretos y la venganza, son partícipes en este espectáculo. El acompañamiento musical es maravilloso y, cada uno de los instrumentos sobresale en un ambiente teñido de arte, el coro es asombroso y las voces son magníficas. Cavallería Rusticana relata la historia de una mujer enamorada llamada Santuzza, que cuenta con las interpretaciones de Elisa Calvo y Susana Palomeque Flores que se encuentra infeliz ante las ausencias de Turiddu, cuyas actuaciones corresponden a Germán Polon y Matías Klemm, por lo que decide hablar con la mamá de él llamada Mamma Lucía, cuyas actrices son Alicia Aldicin y Cristina Wasylyk. Desconfía de la fidelidad de su prometido y piensa que éste, sigue enamorado de su antigua novia Lola interpretada por María Laura Weiss.

Santuzza espera el regreso de su amado y comienza a interrogarse por lo que hizo, provocando su excomulgación. Eran épocas de tradición, donde la palabra “matrimonio” obedecía a la castidad de la novia hasta la boda, Santuzza se siente triste y ha descubierto que su amado no la respeta. Por eso, decide hablar con el esposo de Lola llamado Alfio, interpretados por Leonardo Estévez y Jorge Balagna, lo que provocará una desafortunada situación.

Turiddu, se siente apenado por sus sentimientos y no sabe qué hacer con Santuzza; ya que ama a Lola. Cavallería Rusticana cuenta la historia de amores que no tienen un final feliz, donde el “qué dirán” importa más que los sentimientos y las costumbres que no se siguen, demuestran el rechazo de la sociedad. La mujer debe respetar sin chistar cada una de las cosas que suceden y los hombres, pueden defenderse sin inconvenientes. Una ópera que muestra cómo la sociedad fue cambiando, pero que en algunos espacios permanecen esas prácticas residuales.

El coro se escucha estupendo, las voces se expresan de una manera nítida y que enamoran los oídos del espectador, los instrumentos tienen fuerza y dejar de escucharlos, es imposible por su espectacularidad. Los cantantes que interpretan las escenas son muy buenos, su canto es magnífico y transmiten cada uno de los sentimientos, el final es impactante y trágico. Una ópera maravillosa, para disfrutar de las voces de los intérpretes, un coro increíble y una dirección musical impecable con músicos fabulosos en escena.

FUNCIONES:

TEATRO EMPIRE: (Hipólito Yrigoyen 1934 – CABA)

Viernes 13 a las 21 hs

Viernes 20 a las 21 hs

Domingo 15 a las 18:30 hs

Entradas: $1900

Jubilados y estudiantes:  $1500

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FICHA TECNICA

Título: Cavalleria rusticana

Autor: Pietro Mascagni

Elenco:

Santuzza: Elisa Calvo – Susana Palomeque Flores.

Turiddu: Germán Polon – Matías Klemm

Alfio: Leonardo Estévez – Jorge Balagna

Lola: María Laura Weiss

Mamma Lucia: Alicia Aldicin – Cristina Wasylyk

Coro de la compañía Música en escena:

Sopranos 1

Silvia Gonzales

Melina Otero

Lena Solesky

Martina Gioiosa

Carolina Béjar

Paula Larriqueta

Analía Cobas

Sopranos 2

Florencia Corbalan

Cecilia Mailen Otero

Mezzos

Mariangeles Notta

Romina Maggi

Mariana Artaza

Laura Aranda

Rocío Belén Moragues

Patricia Salanueva

Patricia López

Tenores 1

Pablo Cena

David Reinhardt

Claudio Pérez

Ezequiel Constantino

Tenores 2

Alejandro Pujalte

Cristian Emmanuel Frenczel

Andrés Buchwald

Eduardo Bourdieu

Bajos 1

Alberto García Fernández

Rolando Llamus

Enzo Dupré

Bajos 2

Agustín Adúriz-Bravo

Gabriel de Dios

David Leonardo Bautista Camacho

Juan José Ghioni

Orquesta: Fundación Musizap  (Dir. Mtro. Claudio Espector)

Pianista de ensayo: Mario Dardis

Dirección musical: Silvana D’Onofrio

Asistente de Dirección: David Leonardo Bautista Camacho

Regie: Antonio Leiva

Diseño de luces: Stefany Briones Leyton

Diseño de vestuario: Antonio Leiva – Silvana D’Onofrio

Realización de vestuario: Mirta Liliana Palacio

Diseño de maquillaje: Anggie Zamora Valladares

Más Prensa: Analía Cobas y Cecilia Dellatorre

La vida en tango: Crítica de la obra de teatro

Por Nadia Sotelo

El tango es una de las músicas más admiradas en el mundo entero, la pasión que provoca y el encanto que representa, es una de las particularidades de la esencia del argentino. Sin embargo, esa música que supo resaltar a la Argentina a nivel mundial no es tan valorada como debiera, pero surgen espectáculos que engalanan su magia y prestigio, como el de “La vida en tango” de Hernán Genovese, que se presenta el sábado 7 en el teatro IFT (Boulogne Sur Mer 549) y el domingo 8 en el Teatro Carlos Gardel (V. Alsina, Lanús) a las 21 hs.

La función del 30 de abril se vivió en Capital Federal y fue un sueño de espectáculo, una obra que tenía todo lo que cualquier espectador busca: arte por todos lados. Música, baile, actuación y un acompañamiento musical inigualable, dieron vida a esta maravilla ópera tango, en donde la milonga ocupa un lugar primordial y las voces tangueras de Sandra Márquez, Hernán Genovese y Carol O ́Farrell, se destacan por demás. El placer de unir instrumentos que no son típicos del teatro, no tiene precio y propone un disfrute para los oídos. Escuchar la música de un cálido violín, ver artistas bailar en escena como lo son: Florencia Méndez y Pedro Zamin, es algo fenomenal.

La vida en tango, es una obra en donde se puede observar un espectáculo con todo el lujo: luces, humo, brillos, bailes, boleadoras, guitarras, piano, coplas. Una ópera tango que lo tiene todo, incluso imágenes de pinturas en la pared. Escuchar las hermosas voces y canciones que se interpretan son un gusto al alma, Sandra Márquez y Hernán Genovese son fantásticos, sus voces fuertes y con mucha potencia, hacen que los sonidos lleguen a todo el teatro. La situación, en donde se produce un acto de comedia es muy divertido, las risas de los espectadores lo demuestran y los aplausos, también. Este espectáculo invita a pensar en el amor y en sus circunstancias, en cómo el arte puede ayudar a sobrepasar momentos difíciles y cómo el abrazo al tango es la salvación.

En La vida en tango, se ven las raíces de este suelo, la mezcla intercultural que forma a la gran nación y a un elemento que es universal, como lo es la música. Hernán Genovese, demuestra una gran creación, en donde enaltece el nombre de Argentina y evidencia su potencial cultural. Realizar una ópera tango es pensar en todos los detalles, en destacar a cada uno de los artistas que están en escena, darle su lugar y su momento para exhibir su arte. Nadie sobresale, todos lo hacen por igual y, dan como resultado un producto vistoso, agradable y sobre todas las cosas, musical. Sin lugar a dudas en La vida en Tango, se muestra como el tango une y no separa.

Este espectáculo fue presentado en Francia, seguramente cualquier extranjero salga maravillado por lo que observa en escena. Pero, tener una ópera tango en Argentina, donde este baile nos representa y ha motivado al autor a escribir el libreto, no tiene precio ni desperdicio. Una obra, en donde se pueden apreciar las artes desde todas sus perspectivas y, en donde se puede disfrutar del tango, esos bellos sonidos de pasión en donde el amor guía a las canciones y la interpretación de los artistas, se experimenta por parte de los espectadores.

Un lujo que se tiene como argentinos es escuchar tango y saber que es nuestro, que no se necesita viajar para escucharlo, que se encuentra en las raíces de la herencia y en las costumbres, que todavía quedan en algunos lugares. El tango es la memoria de los que se fueron y de los que quedaron. Tener la posibilidad de disfrutar de La vida en tango, es algo que no se debe dejar pasar, da gusto ver a artistas preparados y en donde se brinda el espacio, para que todos se destaquen. Esta obra es para disfrutar del tango, que tal vez no es algo que las nuevas generaciones escuchen a menudo, pero que vale la pena hacerlo.

FUNCIONES:

Sábado 7/5 a las 21 hs en Teatro IFT, Boulogne Sur Mer 549 – CABA

Domingo 8/5 a las 20 hs en Teatro Carlos Gardel, V. Alsina, Lanús

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FICHA TECNICA:

Autor: Hernán Genovese

Puesta en escena: Lizzie Waisse

Arreglos y dirección musical: Roger Helou

Cantantes: Sandra Márquez, Hernán Genovese y Carol O ́Farrell

Bailarines: Florencia Méndez, Pedro Zamin

Músicos: R. Helou, Lucía Ramírez, Javier Kase, Juan M. Gómez

Más Prensa: Cecilia Dellatorre y Analía Cobas

“Alegoría irrespetuosa de los lirium» de Las Pulsiones de Yamyla- Crítica

Por Nadia Sotelo

El domingo 24 de abril estrenó la nueva obra del grupo Las Pulsiones de Yamyla, la creación que pertenece a la dirección y dramaturgia de Demian Alexander, se titula “Alegoría irrespetuosa de los lirium». Con esta nueva historia, se completa un ciclo de teatro, que cuenta con seis obras representadas por el grupo Las Pulsiones de Yamyla; relatos con temáticas fuertes y actuaciones de primer nivel.

El espacio encargado de dar luz a las interpretaciones del elenco fue el Club Cultural “Otra Historia”, ubicado en Estomba 851 en el barrio de Villa Ortúzar. Un lugar que propone arte en cada una de sus paredes, desde la entrada con imágenes de artistas retratados en pintura, hasta el fondo en donde se encuentran asientos y mesas para tomar algo. Cada uno de los cuartos que componen el espacio del centro cultural, demuestran intervenciones artísticas: frases, dibujos, colores, formas y también, espacio al aire libre en donde el arte fluye y se incorpora a la persona que, visita el lugar por primera vez. Alegoría irrespetuosa de los lirium, es una performance psicológica que presenta al amor y al desamor con intervenciones artísticas. Muchas veces, surge la pregunta sobre qué es el arte y la respuesta, no tiene verdades absolutas; las experiencias que se transmiten pueden despertar amor, deseo, soledad, miedo, incomprensión, emocionalidad o rechazo.

Ph: Diego Lena

En esta obra que lleva adelante el grupo de Las Pulsiones de Yamyla, el arte se torna un argumento presente durante todo el espectáculo. El amor es otra de las facetas que se cuestiona aquí, mujeres de todos los tipos se hacen presente en esta historia: cuerpos reales, cuerpos desnudos, cuerpos que dicen más que las palabras y sentimientos, que desatan el amor y el arte. Una obra para cuestionarlo todo y también, para experimentarlo.

El centro cultural es muy amplio y las actuaciones se vivieron en diferentes escenarios, algo atípico para el espectador promedio que se encuentra acostumbrado a sentarse durante una hora en una butaca. En Alegoría irrespetuosa de los lirium, todo es acción: hay que moverse a donde indiquen los actores y es una experiencia única para quien desea vivir otra cosa al mirar una obra de teatro. Cada uno de los intérpretes que actúa, invita al movimiento del público, lo descoloca de su lugar inmóvil y lo hace moverse por el recorrido de la escena. Nunca se anuncia el comienzo de la función, los tonos elevados de una pareja indican que el espectáculo ha comenzado. Risas, nerviosismo y acción, es lo que experimenta el espectador.

Si bien, hablar sobre el arte es difuso, interdisciplinario y cuestionable, la obra interroga esta palabra y la expone en cada uno de los roles que se interpretan. ¿Qué es el arte? Para hallar una respuesta a tan compleja pregunta, demuestra diferentes tipos de intervenciones que suelen tener el estatuto de artístico, pero hay otras de las que las personas se sonrojan y las consideran tabú. ¿Todo puede ser arte? ¿Un cuerpo desnudo lo es? ¿Participar en una actividad artística convierte a un sujeto en artista? ¿Destacar por sobre los demás es arte? Los actores se animan a interpretar papeles muy complejos en esta obra y, representan una aproximación para responder a la pregunta planteada.

Hay una escena en la que un pintor se encuentra comiendo, arroja su plato al suelo y experimenta ese momento, como artístico. En un pedazo de cortina, comenzará a pintar con sus manos y pinceles, lo que para él es el arte y, algunos espectadores vivirán esa experiencia también. Otra de las actuaciones que generaron impacto, fue sobre una mujer que habla acerca del arte y grita, se expresa con tonalidades de voz muy aguda.

Ph: Diego Lena

¿Qué es el amor? Este es otro de los interrogantes que quiere escenificar el espectáculo, incluso se podría mezclar el argumento entre el arte y el amor, para vislumbrar si este último, es considerado arte. Su forma no es lineal, plantea características intentas y sensaciones de todo tipo, el amor podría parecerse a una situación de arte. El final de la obra es muy bueno, un músico en el escenario y una chica vestida de forma asiática y con su sombrilla. ¿Qué se destaca más: una actriz o un músico? El arte es general, pero reconoce particularidades y, está en el espectador elegir el que más le gusta.

Una obra para experimentar, vivenciar, conocer, apreciar, descubrir y pensar sobre el amor, el desamor y el arte. Para preguntarse por qué el arte es tan necesario, qué es lo que hace que se lo admire, qué vínculos comparte con el amor y qué emociones con el desamor. “Alegoría irrespetuosa de los lirium», es muy buena. Propone un estilo único y pone al espectador en un lugar poco conocido, en el cual debe experimentar nuevas sensaciones y mirar teatro de otro modo: siendo partícipe de una experiencia performática.

Dramaturgia y dirección: Demian alexander

Elenco: 

Collins Adriana

Camila Torres

Elisa Godoy

Alejandra ESCOURIDO

Evelina Funes

Demian alexander

Manuel Paz

Giselle Acosta

Francisco Ferrer

Fotografías: Diego Lena

“Ribetes en tu piel rojos quedaron”: Crítica de la obra de teatro

Por Nadia Sotelo

Todos los domingos a las 18 hs, el teatro Hasta Trilce (Maza 177 – CABA) presenta una maravillosa obra de teatro titulada: “Ribetes en tu piel rojos quedaron”, con la interpretación de María Nydia Ursi Ducó en los papeles de Estelita y el Hombrecito, además del magnífico acompañamiento musical de piano, de la mano de Florencia Caruso. El texto pertenece a Darío Bonheur y la dirección es de Eloísa Tarruella.

Ingresar al teatro es de ensueño, hay una pequeña confitería en donde las personas pueden tomar un café, mientras aguardan la función en compañía de música tranquila y, diferentes insignias de arte que se encuentran en las paredes, tales como cuadros o reliquias antiguas. El incienso brinda un exquisito aroma en el ambiente. A la hora de cruzar hacia la sala teatral, se puede observar que es muy amplia y las butacas son muy cómodas. Lo primero que se visualiza en el escenario es una bella melodía de piano, realizada por Florencia Caruso, dos cortinas que tienen impresas notas musicales y tres figuras de forma triangular de color rojo en el piso.

María Nydia Ursi Ducó es la encargada de darle voz, a un ambiente cargado de música de piano. Realiza dos papeles y, en el primero interpreta a Estelita, una amante de la música que no alcanzó la fama, pero que disfrutó hasta el último momento de su maestra de piano Virginia. Cada vez que cuenta su historia, representa a esos millones de estudiantes que veían como los profesores les daban empuje para perseguir sus sueños, invitándolos a soñar y, a seguir practicando. Estelita no conoció el estrellato, siempre vivió a la sombra de su profesora, pero ella se sentía feliz siendo pasadora de páginas en los conciertos de piano.

Un acontecimiento la obliga a despedirse de su profesión, pero sus recuerdos y la música la ubican en el tiempo presente y la hacen reflexionar, preguntarse sobre lo que fue su trabajo, lo que consiguió y lo que le hubiera gustado vivir. Cuando concluye esa historia, la actriz sale de escena, el piano se cierra y se da paso a la segunda historia. María Nydia Ursi Ducó vuelve a ingresar al escenario, pero con un personaje diferente, esta vez interpreta al Hombrecito y, Florencia Caruso, regresa para dar puesta musical al ambiente. Ribetes en tu piel rojos quedaron, cuenta con una excelente iluminación que, permite evocar de manera precisa cada escena que realiza la actriz.

En la segunda interpretación que se realiza en escena, se puede observar una silla de ruedas y un hombrecito con ganas de volver al escenario, luego de 10 años de ausencia. La historia que se relata es la de una persona que toda su vida quiso ser pianista, pero las circunstancias de la vida le hicieron vivir otra experiencia. Tanto la historia de Estelita como la del Hombrecito, se cruzan en un universo musical, con sueños que no se llegaron a cumplir y, con la sombra de lo que pudo haber sido la fama.

Aplausos que no se dieron, la memoria siempre presente en el momento de la gloria personal, en el caso de Estelita su profundo amor por la música y el día en que se enamoró de ella con tan solo 11 años y cuando empezó con las clases de piano. En cambio, el Hombrecito fue feliz al ganar un premio de música, pero su sueño no pudo concretarse a través del tiempo. Ribetes en tu piel rojos quedaron, retrata el mundo de las personas apasionadas por la música que no siempre tienen el talento que se necesita para triunfar o, las oportunidades, pero que siempre se encuentra el momento adecuado para disfrutar de lo que se ama. Entre lágrimas, drama y emoción, se le presenta al espectador la vivencia de dos personas comunes, que persiguen sus sueños y no consiguen alcanzar el reconocimiento que se merecen. Se reflexiona sobre la importancia de reconocerse como uno es, que no todos lograrán lo que sueñan, pero que se podrá disfrutar de aquellos momentos para disfrutar de la pasión, de los recuerdos de las experiencias más dichosas y, de lo que provoca la música en las personas.

Cada vez que Florencia Caruso toca el piano, el escenario se transforma con una impronta musical que inunda cada interpretación de María Nydia Ursi Ducó. Florencia destaca por sus bellas melodías, que presenta maravillosamente en el piano, su interpretación no solo la muestra como la excelente música que es, sino como una actriz que marca con su presencia musical cada una de las escenas.

María Nydia Ursi Ducó es fantástica, realiza los dos papeles de una manera asombrosa y, provoca el deleite de los espectadores. Hasta incluso, causa risa en algunas de sus actuaciones en la obra, meterse en estos dos personajes no es una tarea sencilla, la carga de los monólogos y el drama que se vive detrás de lo que cuenta es algo difícil de interpretar y, María Nydia Ursi Ducó lo cumple de maravilla. Es una excelente actriz.

Ribetes en tu piel rojos quedaron, es una muy buena obra. El libreto es impactante e invita a la reflexión. Muchas veces no se trabaja de lo que a uno le gustaría, pero siempre encuentra el momento adecuado para disfrutar de la pasión; aquí se observa esta situación y se piensa en lo que es estar del lado de la sombra, de lo que se quiso y de lo que no se pudo, de los bellos recuerdos que se experimentaron y de esos sueños que, aunque se encuentren ocultos, nunca se fueron del corazón.

Funciones: Domingos 18:00 hs

Teatro: Hasta Trilce (Maza 177 – CABA)

Duración: 60 minutos

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FICHA TÉCNICA

Autoría: Darío Bonheur

Actúan: Maria Nydia Ursi-Ducó

Diseño de vestuario: Sabrina López Hovhannessian

Diseño de escenografía: Sabrina López Hovhannessian

Realización de escenografia: Julieta Muro Frangi

Música En Escena: Florencia Caruso

Diseño De Iluminación: Carolina Rabenstein

Fotografía: Adrián Arellano

Diseño gráfico: Juan Francisco Reato

Asistencia de dirección: Alejandro Charo

Prensa: GarBo Prensa

Producción Ejecutiva y Artística: Ale Garcia

Dirección Audiovisual: Cristian Holzmann

Dirección: Eloísa Tarruella

Génesis: Crítica de la obra de teatro

Por Nadia Sotelo

Los sábados a las 22: 30 hs, el teatro Multiescena (Av. Corrientes 1764, CABA) presenta Génesis, una obra que lo tiene todo y, en donde las risas están aseguradas. El teatro es muy grande, lo que permite que desde cualquier butaca se pueda apreciar el excelente trabajo de los actores, dispone de 3 filas y de 2 salidas por escaleras, consiguiendo que la salida del lugar se produzca sin inconvenientes.

El espectáculo se desarrolla en la Sala 1, cuenta con una muy buena iluminación e incluso, pueden observarse efectos de humo en algunos momentos. Los encargados de interpretar esta obra son: Gastón Ares, en el papel de Rubén, Flor Cappiello como Pocha y, Gonzalo Gravano interpreta a Génesis. Está escrita y dirigida por Ezequiel Sagasti.

Génesis cuenta la historia de dos hermanos que viven juntos y no se llevan bien, son muy diferentes y eso provoca muchos problemas, en especial para Pocha. Este personaje se caracteriza por ser una estudiante de física que, desea rendir su último final para concluir con sus estudios universitarios, pero su hermano la interrumpe y no la deja estudiar. Rubén, se encuentra experimentando un renacer espiritual y plantea que todas las cosas que suceden, ocurren por algo y, busca su fundamento en un libro que atesora para responder todas sus inquietudes.

Su hermana Pocha desconfía de todas estas cosas y se siente perturbada por lo que hace su hermano. Sin embargo, lo quiere y lo ayuda en todo lo que necesite, pero ocurrirá algo que cambiará sus vidas para siempre. Un problema hará que contraten a Génesis, un plomero que les ayudará a reparar un desperfecto que imposibilita el desarrollo habitual de la casa. Los actores son increíbles, cada uno demuestra sus grandes dotes actorales en las escenas que les corresponden. Una obra que se encuentra plagada de momentos para la risa, las situaciones que se viven invitan a reír sin parar.

Gastón Ares, realiza un papel fabuloso, interpreta a una persona que ha cambiado su vida a través de un despertar espiritual. Lo que implica colocarse en la mente de una persona que experimenta una filosofía de vida que, se diferencia del resto y que propone una existencia en donde todo tiene respuesta. No es fácil ponerse en un lugar como ese y Gastón, lo realiza de una manera extraordinaria. Prácticamente, todos sus diálogos causan gracia, por la manera en que actúa y las situaciones que debe interpretar.

Flor Cappiello, no necesita mucho para hacer su personaje. Una computadora, un termo y, apuntes de Física, son suficientes para lograr su excelente puesta en escena. Pocha, el papel que interpreta, es el de una estudiante que se encuentra por vivir uno de los momentos más importantes de su vida: su último final. Sin embargo, tiene un hermano que no la deja en paz a la hora de estudiar. Realiza un muy buen papel como Pocha, sus momentos de desahogo cuando se va su hermano son muy chistosos y, hacen reír al público.

Gonzalo Gravano interpreta a Génesis, un plomero que no ha recibido las mejores condiciones laborales en sus antiguos empleos y, que teme ingresar a la casa de Pocha y Rubén. Gonzalo interpreta de maravilla, desde el momento en que habla por primera vez, llena de risas a todos. Además, Génesis se muestra tímido y piensa que existe un vínculo diferente entre los hermanos, que no es verdad. Será el encargado de llevar a cabo la historia.

Un espectáculo para reír y pensar. Una obra que invita a debatir sobre la hermandad y que permite que cada uno sea como quiera ser, siempre que no moleste al otro, que lo complemente y que le ayude en lo que necesite. También, implica que a veces, es necesario contar con la colaboración de una persona externa para que las relaciones mejoren o, se miren desde otra perspectiva. Un libreto maravilloso, para disfrutar y pensar en las relaciones humanas y en los vínculos afectivos.

Funciones: Sábados 22:30h

Teatro: Multiescena (Av. Corrientes 1764, CABA)

Entradas: $1400

Duración: 60 minutos

Adquirí tu entrada aquí

Ficha técnica

Elenco:  Gastón Ares y Flor Cappiello y Gonzalo Gravano

Dirección y Dramaturgia: Ezequiel Sagasti.

Asistencia: Daniela Delechaux

Música Original: Simón Bosio

Producción General: Geluk y El Karma

Prensa: Entre Líneas